Enseignant.es

Catherine Frenak, née en 1959, est architecte DPLG et enseignante à l’École des Arts Décoratifs – PSL. Diplômée de l’École d’architecture de Paris-La Villette (UP6) en 1986, elle débute son parcours professionnel à Londres, où elle travaille dans différentes agences d’architecture en 1987 et 1988. De retour à Paris, elle exerce comme architecte libérale à partir de 1989 et mène parallèlement plusieurs missions d’études en urbanisme et en programmation pour le département de Seine-Saint-Denis (1989-1993), puis pour l’Établissement public du Grand Louvre (1993-1995).

En 1997, elle est lauréate du concours pour le Musée de Site de la Villa des Prés Bas à Loupian. À partir de 1999, elle développe également une activité dans le champ de la scénographie, notamment à travers plusieurs collaborations avec la compagnie de danse contemporaine Lakoma.

En 2000, elle s’associe à Béatrice Jullien, avec laquelle elle crée en 2007 la SARL Frenak & Jullien. Depuis 2014, Catherine Frenak enseigne à l’École des Arts Décoratifs – PSL. Elle participe également à de nombreux jurys d’écoles nationales supérieures d’architecture, notamment à Paris-Malaquais, Paris-Belleville et Paris-Val-de-Seine, et accompagne des voyages d’études à Bâle, Pampelune et Porto.

Adrien Grigorescu enseigne au sein du secteur Design, Architecture, Milieux de l’École des Arts Décoratifs – PSL. Il est designer et artiste indépendant. Sa pratique explore les interactions entre espace, image et son, et leur capacité à construire des récits et des imaginaires. À travers le design, la recherche, l’enseignement et la création, il interroge la manière dont les techniques et les expériences collectives façonnent les individus ainsi que leurs relations aux environnements sociaux, culturels et naturels.

Il s’intéresse particulièrement aux modèles et organisations fondés sur l’interdépendance, la collaboration et les pratiques de mise en commun, ainsi qu’aux outils, processus créatifs et formes fictionnelles susceptibles de les accompagner et de faire émerger de nouvelles formes de résilience. Sa pratique se construit également à travers la collaboration et l’échange avec d’autres praticien·nes, en réunissant des compétences, des ressources et des points de vue complémentaires issus de différentes disciplines.

Architecte diplômée de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Paris-Belleville, sa pratique est ancrée dans une approche humaniste, développant des méthodes de conception et de production basées sur les dimensions sensibles de l’espace. Pauline Marchetti est lauréate du prix Europe 40Under40, par le biais duquel le European Centre for Architecture Art Design and Urban Studies distingue les architectes et designers les plus prometteurs de leur génération.

Né de la collaboration de Jacques Ferrier et Pauline Marchetti pour la création du Pavillon Français de l’exposition universelle de Shanghai en 2010, Ferrier Marchetti Studio associe recherche et production pour une société urbaine durable. Depuis, l'agence Ferrier Marchetti Studio à développé un nombre important de projets tant publics que privés, français et internationaux, alliant recherche et architecture.

Pour résister à la fabrique de mondes urbains sans qualités, le laboratoire de recherche et de prospective urbaine Sensual City porte depuis plus de dix ans la vision de la "Ville Sensuelle". La Ville Sensuelle invite à remplacer l’urbanisme de géométrie par un urbanisme d’atmosphères, de matérialités, de contexte et d’identités, en partant du corps et des sens.

Le Studio partage ses recherches à travers les Sensual City Papers, libre contribution au débat pour repenser la ville, édités avec la participation du philosophe Philippe Simay.
Ces publications permettent d’aborder des thèmes essentiels et parfois impensés de la fabrique architecturale et urbaine afin d’imaginer un monde plus appropriable, plus durable, plus sensuel.

Pierre Marquis est architecte et ingénieur au sein du bureau d'études techniques Bollinger + Grohmann à Paris. En association avec architectes, artistes, entreprises de la construction ou de l'industrie, il travaille sur des projets aux échelles et aux programmes variés, au sein d'équipes pluridisciplinaires

Ancien élève de l'Ecole Polytechnique Fédérale de Lausanne en Suisse, Pierre est architecte diplômé d'état de l'Ecole Nationale Supérieure d'Architecture de la Ville et des Territoires sous la  direction de Marc Mimram. Il est également ingénieur en génie civil diplômé de l'Ecole des Ponts ParisTech.

Véronique Massenet est designer et scénographe d’exposition. Elle est cofondatrice, avec Rémi Dumas Primbault, de l’agence de design et de scénographie Du & Ma, créée en 2005.
L’agence développe des projets de design, de muséographie et de scénographie d’exposition pour des institutions culturelles en France et à l’international : musées de sciences et d’art, institutions parisiennes et collectivités territoriales. Avec son associé, Véronique Massenet aborde la scénographie d’exposition dans toutes ses dimensions, de l’aménagement des espaces à la conception des outils et dispositifs de médiation.

Parallèlement à son activité professionnelle, Véronique Massenet enseigne à l’École des Arts Décoratifs – PSL, ainsi qu’à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon, à l’ESAD Amiens et à l’École Supérieure des Arts Visuels de Marrakech.

Victor Meesters est architecte, designer et enseignant. Diplômé de l’École nationale supérieure d’architecture de Paris-La Villette en 2013, il a également suivi une formation à l’École nationale supérieure de paysage de Versailles. Il vit et travaille entre Bruxelles et Paris. Membre du collectif Rotor depuis 2014, il développe des projets de recherche, des missions de conseil et coordonne la conception et la réalisation d’expositions. Depuis 2018, il participe notamment à plusieurs projets européens visant à favoriser l’intégration des pratiques de réemploi et de réutilisation dans le secteur de la construction, parmi lesquels les programmes Interreg FCRBE et PREUSE. Parallèlement, il mène une activité de designer indépendant et enseigne à l’École des Arts Décoratifs – PSL.

Son travail s’intéresse aux transformations des pratiques de construction et aux enjeux liés à l’économie circulaire, en explorant les conditions concrètes de la réutilisation des matériaux et les nouveaux modèles qu’elle peut faire émerger. En 2026, il publie « 20 petites leçons d’économie de matière », un ouvrage destiné à rendre accessibles aux étudiant·es et aux professionnel·les les principes de l’économie circulaire appliqués à la construction.

Marion Nielsen est chercheuse, architecte, docteur et professeur agrégée en détachement à l’École des Arts Décoratifs -PSL. Elle enseigne le projet dans le secteur Design Architecture Milieux et dirige le groupe de recherche Territoires à l’EnsadLAB. Elle participe également à l’adossement à la recherche pour le programme de post-master Design des Territoires. Ses expérimentations pédagogiques et ses pratiques de terrain se nourrissent de ses recherches tournées vers l’enquête, la perception, la représentation et la transformation du paysage et de la ville, de manière sensible et collective, dans des pratiques ancrées dans les territoires de ses actions.

Charlie Aubry est diplômé de l’isdaT (Institut supérieur des arts de Toulouse). Il développe une pratique artistique centrée sur l’électronique, interrogeant le quotidien à travers les relations entre technologie, espace public et participation collective.Son travail prend la forme d’installations sculpturales, sonores et numériques, souvent liées à des enjeux territoriaux, de durabilité et d’engagement social. Parallèlement, il mène des projets musicaux performatifs à partir de machines détournées et d’archives sonores. À partir de 2013, il collabore étroitement avec la compagnie Maguy Marin : reprise de rôle dans Umwelt, compositions sonores pour BiT et DEUX MILLE DIX SEPT, puis musique et scénographie de Ligne de crête en 2018. Son travail a été présenté dans de nombreuses institutions et expositions en France et à l’international, notamment au Palais de Tokyo, au FRAC Occitanie, à la Collection Lambert, au Centre Wallonie-Bruxelles et au FRAC MÉCA. Il a été pensionnaire de la Villa Médicis en 2021-2022 et sera résident à la Villa Kujoyama en 2026.© Charlie 

Née en 1980, l'artiste chorégraphique Myriam Lefkowitz vit et travaille à Paris. Depuis 2010 ses recherches se focalisent sur les questions d'attention et de perception, à travers différents dispositifs immersifs impliquant des relations directes entre spectateurs et artistes. Elle crée les conditions d'une expérience perceptive augmentée à travers l'usage du regard, du toucher, de la marche et des états liminaux entre sommeil et veille. Son travail a été présenté à la 55ème biennale de Venise dans le cadre de l'exposition « Oo » (Pavillon lituanien et chypriote).

En 2013, Myriam Lefkowitz rentre comme tutrice au comité pédagogique de SPEAP (Master d'expérimentation en art et politique) fondé par le sociologue et philosophe Bruno Latour. Elle est régulièrement invitée au Musée national d'art moderne Centre Georges Pompidou à Paris, au MAC VAL à Ivry, à l'Open School East à Londres, à la Royal Academy of Art de Stockholm. à l'école d'architecture de Versailles, aux Beaux-Arts (Besançon, Angoulême, Angers), à l'Université Paris 8, département de danse...

Né en 1973 à Dijon, Gerald Petit est artiste et professeur de peinture à l’École des Arts Décoratifs - PSL. Reconnu pour son travail de peinture, de photographie autant que pour ses oeuvres « rumorales », son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles en France, aux Etats-Unis ou encore au Japon. Il est représenté par la galerie In Situ - Fabienne Leclerc à Paris, qui vient de lui consacrer une exposition monographique, « AMAREM », faisant suite à « Ni île », qui revisitait 25 ans de travail au Frac Normandie en 2023/2024. La recherche de Gerald Petit consiste à expérimenter les modalités d’apparition, de génération et de fixation des images. Il utilise pour cela plusieurs mediums, tels des outils, et plusieurs catégories de représentation, privilégiant toutefois ces dernières années la peinture…

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La démarche artistique de Kristina Solomoukha inclut une grande variété de projets collaboratifs et curatoriaux. Nourrie d'un intérêt pour l'anthropologie et l'histoire, ses œuvres, qui vont du dessin à l'installation, de la vidéo à la performance, interrogent la dimension politique et sociale des images.

Née en 1971 à Kiev (Ukraine), Kristina Solomoukha a étudié  à l’Institut d’Art Industriel de Kiev. En 1995 elle est diplômée de l’ENSBA de Paris.

Elle a enseigné à la HEAD à Genève, l’ENSA Paris-Malaquais, l’ESAD à Reims et est intervenue dans les écoles d’art, design et  architecture en France et à l’étranger. Actuellement  elle enseigne à l’EESAB site de Rennes et à l’ENSAD à Paris. Pour ses réalisations plastiques elle initie des collaborations avec les artistes, graphistes, curateurs et  architectes. Ses installations, vidéo ou  projets curatoriaux  procèdent de la recherche dans les champs de l’histoire, l’anthropologie et la sociologie.

Récemment le travail de Kristina Solomoukha a été présenté à Vabaduse Galerii (Tallin, Estonie), à Tabakalera (San Sebastian, Espagne), à Closer (Kiev, Ukraine). Et en France aux Laboratoires d’Aubervilliers, à la Nuit Blanche et à la galerie Contexts à Paris, au FID de Marseille, au 116 centre d’art contemporain de Montreuil, ainsi qu’au FRAC Poitou-Charentes.

Sarah Tritz (née en 1980), vit à Paris et travaille à Ivry-sur-Seine, est diplômée de l'ENSBA Lyon (2004). Elle développe depuis une vingtaine d'années une pratique plastique protéiforme mêlant plusieurs types de média, de matériaux et d'économies de moyen. Le dessin est l'outil principal de sa réflexion plastique et conceptuelle, il opère comme une écriture archaïque et minimale. Le trait synthétise des filiations hétérogènes en passant par la copie et la traduction. Elle travaille depuis 2019 par séries : les maisons, les paquebots, les trains, les petits camions, les bustes, les boites, les théâtres, les chats, les costumes, les pulls, les marionnettes... souvent en carton bois peint, en bois ou encore en textile. Elle dessine également du mobilier et collabore régulièrement pour cela avec un artisan ébéniste. Sarah Tritz a exposé dans de nombreuses institutions françaises et étrangères. On a pu voir dernièrement son travail à la Tôlerie (Clermont-Ferrand), au CREDAC (Ivry-sur-Seine), à la Galerie (Noisy-le-Sec), à la Casa Jorn (Albisola), au MAMCO (Genève) au MRAC (Sérignan), au Palais de Tokyo à Paris, à la Fondation d’entreprise Ricard à Paris etc. Ses oeuvres figurent dans les collections du CNAP, du FMAC (ville de Paris), du MRAC Occitanie, du Nouveau Musée de Monaco et dans de nombreux FRAC. Elle a enseigné de 2010 à 2015 à la Villa Arson, de 2015 à 2019 à l'ENSBA Lyon et enseigne à l’École des Arts Décoratifs - PSL depuis 2019.

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« Après des études de Lettres Modernes à Toulouse et un travail autour du signe en bande dessinée et de l’OULIPO, Romain Blanc-Tailleur intègre l’École des Arts Décoratifs - PSL, et s’y spécialise en cinéma d’animation »

En  parallèle, il se perfectionne au trombone et en composition musicale. Après quelques années comme réalisateur indépendant, Romain devient un membre actif du jeune studio toulousain « La Ménagerie », où il endosse toutes les casquettes : assistant de production, post-producteur,  animateur 2D  et volume assistant réalisateur, scénariste, compositeur de musique... Aujourd’hui  il  écrit  et  réalise des films et des séries d’animation, crée des spectacles autour de l’image animée et compose de la musique pour le cinéma.

François Darrasse, né à Tours en 1960, vit et travaille à Paris. Il débute son parcours par une formation en menuiserie, avant d’intégrer, par intérêt croissant pour les arts plastiques, les Beaux-Arts de Bourges, où il étudie durant deux ans. Sensibilisé très tôt au cinéma par la richesse de la programmation parisienne, il poursuit sa formation à l’École des Arts Décoratifs - PSL, où il se spécialise en cinéma d’animation et en vidéo. À l’issue de ses études, son activité se déploie selon deux axes complémentaires : une pratique artistique personnelle — expositions, installations photographiques, projets liés au voyage — et un travail de technicien de l’animation pour des longs métrages et des séries télévisées, en tant qu’opérateur de prise de vue, photographe et constructeur. L’enseignement occupe par ailleurs une place centrale dans son parcours : il enseigne depuis 1989 à l’école des Gobelins et depuis 1997 à l’École des Arts Décoratifs - PSL, ainsi que dans d’autres établissements. En parallèle de son activité pédagogique, François Darrasse contribue à de nombreux projets, intervenant à différents niveaux : conseil, conception, fabrication, tournage, montage, écriture, réalisation, ainsi que recherches théoriques et plastiques.

- Réalisation du film Ruine (co-réalisation avec Mathilde Philippon-Agisnski) 
-  Recherche sur les technique de Berthold Bartosch (participation à l’ouvrage collectif : D’IDÉE À L’IDÉE DE MASEREEL À BARTOSCH : UNE ŒUVRE EN MOUVEMENT, Les éditions de l’oeil)

Sébastien Laudenbach est réalisateur de films d'animation et illustrateur. Il est auteur d'une dizaine de courts métrages et de 3 longs-métrages : La jeune fille sans mains (présenté à Cannes et Prix spécial à Annecy, sort en salle en 2016), Linda veut du poulet ! (co-réalisation avec Chiara Malta, également à Cannes et Annecy) et Cristal (2023). Il remporte plus de 40 prix internationaux dont le César du meilleur long-métrage d’animation et le prix européen du meilleur film Jeune Public. Il conçoit par ailleurs des affiches de films (pour Emmanuel Mouret entre autres) et réalise des génériques et clips (Dominique A, Etienne Daho) et enseigne à l'École des Arts Décoratifs - PSL depuis 2001. Son adaptation de Carmen sortira en salle en 2026.

Serge Verny est enseignant et coordonnateur du secteur Cinéma d’animation à l’École des Arts Décoratifs – PSL, pour les 3e, 4e et 5e années.

Formation et parcours :

• Diplômé en cinéma-animation-vidéo de l’École des Arts Décoratifs – PSL ;
• Diplômé du CFT Gobelins ;
• Docteur en arts et sciences de l’art de l’Université Paris-I Panthéon-Sorbonne, section cinéma, télévision et audiovisuel ;
• Maître de conférences des Universités ;
• Pensionnaire de l’Académie de France, Villa Médicis à Rome.

Dessinateur, animateur et storyboarder, Serge Verny a travaillé pour Antenne 2, Télé Hachette, Canal +, le CNRS, Ellipse, Nelvana, Les Cartooneurs Associés, Brizzi Films, Disney France Feature Animation, JPL Films, Creamuse et Prima Linea.

Il réalise également plusieurs films en tant qu’auteur : Thulé (1989), Pictographe (1991), Phénomènes (1992) et Over The Emerald World, film d’animation pour salle dynamique réalisé pour le Regenwaldhaus à Hanovre, dans le cadre de l’Exposition universelle de 2000.

À partir de 1995, il enseigne à l’École des Arts Décoratifs – PSL et, depuis 2006, il est coordonnateur du secteur Cinéma d’animation. Il poursuit parallèlement un travail de recherche sur les formats non standard.

Publications récentes

• « À propos du mythe du cinéma total d’André Bazin », in Philippe Jaulmes, le cinéma hémisphérique, préface de Paul Virilio, éditions AVL Diffusion, 2010.
• « La course à l’abîme », in Georges Schwizgebel, peintre et cinéaste d’animation, Patrick Barrès (dir.), L’Harmattan, collection « Cinémas d’animations », 2012.
• « Étude du sensible chez le spectateur dans la réception des dispositifs-écrans », in Le Corps sensible, Steven Bernas (dir.), L’Harmattan, série « Théories de l’image/Images de la théorie », 2013.
• À paraître : « Lignes et kinesthésie », in Cinéma d’animation et arts plastiques, la question du dessin, Patrick Barrès et Serge Verny (dir.), coédition Ensad/L’Harmattan. Serge Verny a également participé au colloque « Archives et acteurs des cinémas d’animation en France », organisé à l’INHA les 30 et 31 octobre 2013.

François Vogel est un artiste et cinéaste Français. Il est l’auteur de courts métrages, installations vidéos et photographies. Son travail s’articule autour des déformations de l’espace et du temps. Il réinvente notre quotidien qui, distordu par de nouvelles lois de la perspective, prend une dimension inédite, drôle et inquiétante.

Expositions & publications :

Les yeux derrière la tête; exposition au Centre des Arts d'Enghien-les-Bains en 2015. Curiosités Numériques de François Vogel; exposition au musée Joseph Déchelette de Roanne en 2022. Parution : Nouveau traité du Sténopé, éditions Éoliennes.

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Enseignant en design graphique, typographie et design de caractères typographiques, Il intervient dans la spécialisation Design graphique / Multimedia (en 2, 3, 4e années) et au sein d’EnsadLab.

Né en Suisse, il étudie à Zurich chez Hans Rudolf Bosshard, puis à l’ANRT à Paris. En 1995, il fonde son propre atelier avec des projets liés au domaine culturel et institutionnel, des scénographies pour le théâtre et des projets tridimensionnels. Créateur de caractères, il conçoit des caractères sous son label AB Type Foundry (AB Baldinger, AB BDot, AB BLine, AB Eiffel, AB Newut…).
Il est lauréat des bourses du Ministère de la Culture, de la Confédération suisse (Prix fédéral de design) et du Cnap.
Ses créations sont régulièrement primées (TDC New York et Tokyo, les plus beaux livres suisses, 100 meilleures affiches D/CH/A…) et se trouvent dans les collections de la BNF, du Design Museum Zurich/CH et du Toyama Museum of Modern Art/JP.
En 2005, la Banque Nationale Suisse l’invite à participer au concours des nouveaux billets suisses. En 2008 il fonde avec Toan Vu-Huu l’atelier de conception graphique et typographique Baldinger•Vu-Huu. Des identités visuelles (frac-Île-de-France, le DOC, le Centre de création Olivier Debré…), des caractères typographiques (CCCOD, de la nouvelle signalétique du projet Les Halles à Paris…), des livres d’artistes et des projets éditoriaux (John Berger, Michel Blazy, Alain Huck, Marc Johnston, JRP Ringier, Aby Warburg…) et des signalétiques d’exposition (Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg,  Cité de l’architecture et du patrimoine…).
Il a été cofondateur et co-directeur du laboratoire de recherche l’EnsadLab Type à l’EnsAD (2008-2014) et membre du comité scientifique et coorganisateur du colloque « Design graphique, les formes de l’histoire » qui a eu lieu le 27 et 28 novembre 2014 au Centre Georges Pompidou et à l’EnsAD. Il est membre de l’AGI.

Voir aussi 

Conférences et films en ligne
– Thomas Sipp et Baldinger•Vu-Huu, «CCCOD, naissance d’un caractère typographique»
https://vimeo.com/219526918
– Baldinger•Vu-Huu, « Unreleased projects »
https://www.youtube.com/watch?v=Z061iFhKbEI&feature=youtu.be
– Centre Georges Pompidou Parole au graphisme, « Baldinger•Vu-Huu »
https://www.centrepompidou.fr/cpv/ressource.action?param.id=FR_R-dacc77c...

Conférences avec EnsadLab Type
– Colloque “Design graphique, les formes de l’histoire”
http://www.dailymotion.com/video/x2gkk6y
– https://www.atypi.org/conferences/hong-kong-2012/programme/programme/act...
– https://www.atypi.org/conferences/dublin-2010/programme/programme/activi...

Publications liées à EnsadLab Type
– «Horizontal/Vertical», 2009
– Le projet «Sorbonne», The “Sorbonne Project”, 2010
– «Design graphiques, les formes de l’histoire», B42, Cnap, 2017

Camille Baudelaire enseigne les fondamentaux du design graphique appliqués au livre, à l’espace et la méthodologie de recherche notamment dans l’espace public. Elle enseigne également par intermittence dans les autres secteurs de l’école par le biais de workshops et MRC, ainsi qu’en première année. Camille Baudelaire est diplômée de l’école Estienne, de l’ESAA Duperré et de l’École des Arts Décoratifs – PSL, Ensadlab, et fondatrice et directrice de création de l’atelier Baudelaire, qui œuvre depuis 10 ans à l’intersection de la recherche, du design graphique et du design d’espace. Très investit dans la cause féministe intersectionnelle, l’Atelier Baudelaire porte aussi la collective @feminisme.en.forme.s. Les travaux de l’Atelier Baudelaire sont intégrés aux collections du MAD, du CNDG, de la fondation Luciano Benetton Imago Mundi, et sont régulièrement publiés dans des ouvrages et exposés dans des institutions.

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Né à Grenoble en 1980, Vadim Bernard a étudié le design graphique et le multimédia aux Beaux-Arts de Valence puis à l’École des Arts Décoratifs – PSL où, après son diplôme, il a intégré le post-diplôme ARI, atelier de recherche interactive.

Dès 2001 il rejoint le collectif Incident et collabore avec des artistes et des studios de design graphique sur des projets de dispositifs interactifs ou de design de mouvement.
Il expose ses recherches interactives en ligne ou dans le cadre d’événements de 2003 à 2009.
En 2003 il reçoit le prix SCAM de l’œuvre d’art numérique interactive pour incident.net.
En 2007 il co-fonde Dépli design studio avec Aurélie Gasche et Benjamin Gomez. Ensemble ils créent les identités visuelles du MAC/VAL, du Fresnoy - Studio national des arts contemporains, et au sein du groupement Insight, participent au projet signalétique et multimédia du Louvre Abu Dhabi.
Ils conçoivent entre autres les sites internet d’Europan France, du Magasin - CNAC, des Ateliers Jean Nouvel, les signalétiques dynamiques de la Cinémathèque Française, de Sciences Po et du centre culturel Lokremise à Saint-Gall (Suisse).
Ils collaborent également avec des scénographes et muséographes sur des projets de graphisme d’exposition et de production de contenus audiovisuels et interactifs de médiation comme pour le Musée du théâtre d’ombres à Chengdu (Chine), l’Institut du Monde arabe, le Grand Palais, le Musée d’Orsay, Hong Kong Heritage Museum, le Musée de Polytechnique, les Musées de Strasbourg, ou le Musée de l’air et de l’espace.

Site web

Françoise Courbis est diplômée de l’École des Arts Décoratifs – PSL, en communication visuelle. Elle est graphiste indépendante depuis 1985, et conçoit et réalisé des éditions, livres et catalogues auprès d’acteurs divers tels que les lieux de théâtre, artistes-musiciens, danseurs, architectes… Françoise Courbis est professeure à l’École des Arts Décoratifs – PSL depuis 1990 et interviens également à École nationale supérieure de création industrielle.

Enseignante es design graphique, elle intervient dans le secteur Design Graphique (en 4e et 5e année), dans le parcours interdisciplinaire Muséodesign et en première année.

Marie Gaspar a étudié le design graphique à Londres, au Central Saint Martins College of Art and Design (BA Graphic Design, 1999) et au Royal College of Art (MA Communication Art and Design, 2001). En 2002, Marie fonde à Paris, avec Éric Gaspar, l’atelier de design graphique ÉricandMarie. Il et elle ont travaillé avec Ronan et Erwan Bouroullec, l’Institut français, le ministère de la Culture et de la Communication, la villa Noailles à Hyères, le ministère de l’Emploi et des Affaires Sociales néerlandais, le musée Solomon R. Guggenheim (New York), le Centre Pompidou-Metz, le ministère des Affaires Étrangères et Européennes, l’atelier Sophie Krier, Vitra (Weil am Rhein), le Mémorial de la Shoah (Paris et Drancy), la Maison Rachi (Troyes), Cultures France, le musée des Arts décoratifs, les Éditions HYX, le studio Makkink & Bey, Brynjar Sigurdarson, le Zeeuws Museum (Middelburg, Pays-Bas), les Éditions du Chêne, le musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg, le Musée de Montmartre, Rmn-Grand Palais, le Musée Soulages, Miguel Chevalier, le Forum des images, la Bibliothèque Interuniversitaire de la Sorbonne, Bernard Chauveau Édition, la Fondation Giacometti, le musée de la Résistance nationale, La Piscine-Musée d’art et d’industrie André Diligent de Roubaix, les Éditions 7L.

Roxane Jubert est enseignante-chercheuse, graphiste et typographe. Elle enseigne à l’École des Arts Décoratifs - PSL, et intervient ponctuellement à Sorbonne Université. Ses écrits, publiés en France et à l’étranger, sont consacrés à l’histoire et à la culture du graphisme, de la typographie et de la lettre – en lien avec les pratiques artistiques, et par ailleurs dans une perspective transhistorique ouverte à des questionnements contemporains. Principal ouvrage : Graphisme Typographie Histoire / Typography and Graphic Design, From Antiquity to the Present (éditions Flammarion). Membre du Centre d'étude de l'écriture et de l’image (CEEI). Elle a effectué un double parcours, scolaire et universitaire, consacré à la création et à la recherche. Apprentissage pratique : École Estienne, ENSAD (communication visuelle), Atelier National de Création Typographique (dessin de caractère). Universités : Paris 4 (doctorat d’Histoire de l’Art), Paris 1 (master Esthétique et Sciences de l’art) et Paris 3. Elle enseigne le graphisme et la typographie à l’École des Arts Décoratifs - PSL dans les secteurs Design graphique et Design textile et matière (et précédemment dans le secteur Design objet et en première année).

Publications :
Graphisme, Typographie, Histoire, éditions Flammarion – également publié en anglais sous le titre Typography and Graphic Design. From Antiquity to the Present.
« Le graphisme au prisme du monde à venir » / « Graphic Design Through the Lens of the World to Come », in Graphisme en France 2025, « Futur souhaitable », Ministère de la Culture / Centre national des arts plastiques, Paris, 2025 (également publié en ligne).

Benoît Montigné enseigne le multimédia à l’École des Arts Décoratifs – PSL depuis 2005 et est intervenu dans différentes écoles telles que Paris 8, l’ENSCI, Sciences Po ou l’ECV. Il est doctorant en esthétique, sciences et technologie des arts au sein du laboratoire TEAMeD / AI-AC de l'Université de Paris 8, il y mène une activité de recherche et de création axée sur l'étude des relations interactivité / image / son. Il a fondé dans ce contexte le site Sonore Visuel, dédié à l’actualité et à l’histoire des arts audiovisuels. Il est également depuis 2015 chargé de cours magistral en arts sonores à l'Université Sorbonne Nouvelle - Paris 3.

Voir aussi 

https://www.sonore-visuel.fr

Enseignant en Design Objet.

Jacques Averna est designer d’objet à la pratique plurielle : il associe formes et couleurs marquées à des usages et procédés de fabrication intégrant les enjeux socio-écologiques contemporains. Diplômé de l’ENSCI–Les Ateliers, il a reçu le Grand Prix de la Design Parade à la Villa Noailles en 2021. En duo avec Cécile Canel, il a développé la gamme d’enseignes mécaniques « Vire-Volt », activées par le vent, pensée comme alternative aux enseignes lumineuses classiques. Plus récemment, il a contribué à la refonte de l’enseigne « Presse », redessinée dans une version durable en tôle d’aluminium ajourée, sans PVC, dans une volonté d’intégrer patrimoine visuel et responsabilité environnementale . Ses pièces sont conservées ou exposées dans divers musées, en France et à l’international.

Lauréat de la Design Parade de la Villa Noailles en 2021
Résident du CIRVA en 2022
Lauréat de la commande « créer un vase » du cnap en 2023
Concepteur de la nouvelle enseigne des bureaux de presse
Exposition collective au musée d’art contemporain de Saint Etienne, au centre Pompidou
Au catalogue du Mobilier National
Résident des Ateliers de Paris 2022-2023

Formé à l’École Boulle, au lycée Corvisart, à l’ENSAAMA Olivier de Serre puis à l’École des Arts Décoratifs – PSL, Christophe Bigot développe depuis 1988 une activité de designer indépendant dans les domaines du design d’objet, du mobilier, de l’espace et du prototype.

En 1988, il crée ZEUGMA, puis fonde en 1993 la société « des choses et d’autres », installée à La Rochelle à partir de 1998. Son parcours est marqué par de nombreuses collaborations et réalisations pour des maisons et marques telles que Campari, L’Oréal, Starck, Fauchon, Yves Saint Laurent, Cartier, Baccarat, Club Med, Issey Miyaké, Ruinart, Roger Vivier ou Dinh Van.

Parallèlement à son activité de designer, il mène une importante carrière d’enseignant, notamment à l’École des Arts Décoratifs – PSL, où il intervient en section mobilier puis design, ainsi qu’à l’école Pivaut à Nantes, à l’Académie Charpentier, à l’IAV d’Orléans et dans plusieurs établissements d’enseignement artistique.

Son approche pédagogique s’appuie sur la relation entre couleur, matière, lumière, objet et espace, ainsi que sur l’expérimentation et la réalisation. En 2006, il est nominé au Silmo d’Or dans la catégorie environnement produit.

Designer et chercheur, l'enseignement de Martin De Bie gravite autour des cultures et pratiques numériques en lien avec ses recherches personnelles. Celles-ci se focalisent sur l’hybridation entre savoir-faire artisanal et nouvelles technologies avec l’ambition d’esquisser des scénarios plus résilients pour les objets technologiques de notre quotidien, en résonance avec les enjeux environnementaux actuels. Il est également le co-fondateur de DataPaulette, collectif explorant les interconnections potentielles entre pratiques textiles et procédés numériques. Concentré spécifiquement sur le process, Il attache une attention particulière à la documentation de son travail et à la porosité entre celui-ci et son enseignement, évoluant et se nourrissant mutuellement.

Née en 1968 à Toulouse, Florence Doléac est diplômée de l’ENSCI – Les Ateliers en 1994. En 1997, elle cofonde RADI DESIGNERS avec Laurent Massaloux, Robert Stadler et Olivier Sidet, une collaboration intense et fructueuse.

Depuis 2003, elle développe ses projets en indépendante. Parallèlement à son activité d’enseignement — à l’ECAL, École cantonale d’art de Lausanne (2000–2009), puis à Ecole des Arts Décoratifs - PSL depuis 2006 — elle réalise des commandes et présente son travail dans des galeries, centres d’art et institutions.

Elle est notamment représentée par les galeries Aline Vidal (2002–2008), ToolsGalerie (2004–2007), Jousse Entreprise depuis 2006, et Locks Gallery à Philadelphie depuis 2012.

Son travail s’inscrit dans un espace intermédiaire où le design dialogue avec l’art, entre dispositifs marchands et institutionnels. Elle explore ainsi les tensions entre production et exposition, fonction et inutilité, à travers des propositions empreintes d’humour et de poésie.

Expositions personnelles
2003 — Divagations, Villa Noailles, Hyères
2004 — Flogistique, Galerie Aline Vidal, Paris, avec l’Aide à la Première Exposition de la DAP, Ministère de la Culture ; Exposition, ToolsGalerie, Paris ; Vague à l’âme, tapis réalisé en Iran, Parsua, Paris
2006 — Tac Tic, MUDAC, Lausanne ; exposition à la boutique OWN, Bruxelles
2007 — Intérieur pour animal à deux pattes, Galerie Philippe Jousse, Paris ; Floating Minds & Static Dancing, de Stéphane Daflon, FRAC Aquitaine, Bordeaux
2008 — Once Upon a Time, Galerie des Multiples, Paris ; Va chercher !, Biennale de Liège, Musée de zoologie, Liège
2009 — Ballooon, salon de lecture d’haïkus, nouvelle boutique Issey Miyake, Paris ; Garbage Saloon, exposition hommage à Michel Houellebecq, Galerie Jousse Entreprise, Paris
2010 — Adada, CIAC, Pont-Aven
2011 — Pom Pom Dust, Galerie Jousse Entreprise, Paris ; Noyeux Joël, Micro-onde, Vélizy-Villacoublay
2012 — The Way Things Are, avec Ula von Brandenburg et Virgil Marti, Locks Gallery, Philadelphie

Catalogues

• Tac Tic, Florence Doléac / MUDAC / Birkhäuser & MUDAC / Infolio
• Designer & Design, Florence Doléac, Pyramyd

Collections publiques
2003 — FMAC, Fonds Municipal d’Art Contemporain, acquisition de Passages et La chaise mise à nu, Paris
2004 — Artothèque de Caen, acquisition de Piétinoire
2008 — FRAC Île-de-France, acquisition de Professeur Tournesol ; FNAC, Fonds National d’Art Contemporain, acquisition de Polybulb, Piétinoire et Table-valise
2009 — FNAC, acquisition de Naufragés sur lit de moquette ; FRAC Aquitaine, Floating Minds, coproduit avec la Galerie Jousse Entreprise et Buyself
2011 — FNAC, Peau d’housse II, réalisée avec Gaspard Yurkievich

Bourses et aides
2001 — AFAA, Villa Kujoyama, pour le développement du revêtement de sol Stimulisol, Kyoto
2003 — Aide à la Première Exposition, DAP, avec la Galerie Aline Vidal, Paris
2005 — CRITT Chimie, Centre régional d’innovation et de transfert de technologie, pour le projet Poignée molle
2006 — AGORA, bourse du Ministère de la Culture et de la Communication, pour le projet de recherche Le corps absorbé, Paris
2007 — Appel spécifique du VIA pour Autonomie à domicile, projet Stimulisol Prix
2006 — Les Globes de Cristal, lauréate du prix de la presse et de la culture, Paris

Clients
Villa Noailles, Issey Miyake, Vilac, Musée des Arts Décoratifs, Maison de la Vache qui rit, Van Cleef & Arpels, Häagen-Dazs, Zoo Galerie, Mumo / Ingrid Brochard, Baby Disco…

Ingénieur de l’École des Arts & Métiers, Alexandre Fougea crée en 2003, alors encore étudiant, la marque Akonite. Il conçoit alors des skis en matériaux composites pour les compétiteurs internationaux. En parallèle, Alexandre Fougea travaille pour des entreprises dans le domaine de l’aéronautique et du nautisme.

En 2008, Alexandre décide avec sa société de se consacrer à part entière au développement de nouveaux produits. Parmi ses clients, on compte Balenciaga, Louis Vuitton, Bell&Ross, Jean-Paul Gauthier, Courrèges, Les Galeries Lafayette, Patrick Jouin, Mathieu Lehanneur, Le Plaza Athénée, EDF, Citelum, Véolia, Dassault…

Depuis 2009, Alexandre Fougea enseigne le design objet à l’Ecole des Arts Décoratifs - PSL.

En 2013, Alexandre Fougea développe et commercialise sous sa marque Akonite une série limitée de 12 skis de neige éco-conçus cosignés avec l’artiste plasticien Xavier Veilhan.

Animé par une vision composite de la matière et du projet, Alexandre, aujourd’hui ingénieur-designer, mêle intimement design et ingénierie dans l’ensemble de ses travaux. Son studio de design et de conception est installé à Paris.

Formation

• BAC A3 Arts plastiques
• École des Arts Décoratifs - PSL, diplôme et post-diplôme, secteur mobilier

Enseignement

Laurent Godart enseigne et coordonne le design objet à l’Institut d’Arts Visuels d’Orléans de 2004 à 2009.
Depuis 2006, il enseigne le design et la morphostructure à l’École des Arts Décoratifs - PSL, à Paris.

Parcours et projets

En 2002, il travaille au sein de l’agence O’Design sur différents projets pour Minelli, T-Mugler, Maison & Objet et Aéroports de Paris, en graphisme, mobilier, signalétique et architecture intérieure.

Son activité de designer couvre de nombreux domaines : céramique avec De terre et d’eau, mobilier pour Procédé Chenel International, produits d’éclairage pour Martinelli Luce, tapis pour Chevalier Édition, ainsi que design global et identité de boutiques pour Lise Charmel International.

Il développe également plusieurs projets de recherche et de création, notamment Drôles d’objets domestiques, un bestiaire typologique, ainsi que des projets éditoriaux et narratifs : Guide de l’improvisation Jazz à la batterie, co-signé avec Bertrand Renaudin, et le roman graphique Nous aurions pu être.

Il réalise également des projets de signalétique, de mobilier et de micro-architecture commerciale, notamment pour les Monuments Nationaux, le Château de Tacy, Photopointcom et Les Vedettes de Paris.

Expositions

Maison & Objet, Salon du Meuble de Paris et Milan, Galerie Luc Queyrel, Galeries Lafayette, Lazer.

Designer-chercheuse et enseignante à l’École des Arts Décoratifs-PSL, Sophie Larger développe depuis une dizaine d’années une recherche-création à l’intersection du design, du soin, et des sciences humaines. Ses recherches interrogent les conditions sensibles d’un “habiter-soigner” à travers la conception de dispositifs d’apaisement et d’enveloppement en milieu psychiatrique. Ancrée dans une démarche transdisciplinaire mobilisant design, phénoménologie, psychanalyse et pratiques soignantes, elle s’intéresse aux potentialités relationnelles des objets et aux espaces transitionnels comme lieux de transformation. Sa posture articule théorie et engagement de terrain à travers des projets menés avec des établissements hospitaliers (EPS Ville-Evrard, GHU Paris, CH Valvert…), en collaboration étroite avec patients, soignants et chercheurs. Elle co-dirige également la Chaire Vulnérabilités et Capabilités (VULCA), lieu de production de savoirs situés et d’expérimentations partagées entre design, philosophie, psychiatrie et art. Elle est l’autrice de plusieurs articles scientifiques et contributions dans des ouvrages collectifs, et intervient régulièrement dans des colloques et événements internationaux autour des enjeux du design en santé.

Revue française des affaires sociales (RFAS) — « Ce que l’art et la culture font aux organisations de santé : dialogue fertile et expériences troublantes », n°2/2024 (avec Lucile Carlier). Presses universitaires de Lyon (PUL) — « Senior Mobile, espace de réappropriation par la danse », in Art et design dans les lieux de soin, dir. Carine Delanoë-Vieux, 2024 (avec Vincent Lacoste). LINKs-Séries 9-10 — « Nouvelles approches d’une esthétique de la complexité. Ré-confort : design et esthétique de l’apaisement en milieu psychiatrique », 2024. La Revue du Praticien — « Chaire VULCA, transdisciplinarité au service des patients », Tome 75, n°3, mars 2025 (avec Lisa Friedlander et Charlotte Jacquemot).

Diplômée de l'ENSAAMA et l’École des Arts Décoratifs - PSL en design textile, Lauriane Beaunier a tout d’abord travaillé dans l’industrie automobile puis dans le domaine de l’équipement de sport en tant que designer textile, couleur et matière.

Elle enseigne à l’École des Arts Décoratifs - PSL depuis 2013, tout en s’investissant dans différents projets dans le cadre de son studio de création, Excla.

Elle a développé une capacité d'écoute et d'analyse qui nourrissent une approche transversale et décloisonnée du design, via la couleur, la matière et le graphisme.
Elle impulse ainsi les projets en construisant leurs directions artistiques et en répondant aux problématiques variées qui lui sont proposées.

Cela l'amène à évoluer dans différents domaines, à différentes échelles, pour des clients français et internationaux : de l’objet au textile, de l’accessoire de mode aux matériaux décoratifs, l'espace et l’architecture d’intérieur, le territoire… C'est ainsi que l'étagère Pace qu'elle a dessiné avec le designer Aurélien Veyrat est rentrée dans les collections du Mobilier National en 2021 alors qu'elle était en train de concevoir avec lui 1000 m2 de bureaux pour Lille Grand Palais.

Depuis, elle a été soutenue par le Ministère de la Culture dans le cadre de l'appel à projet Mondes Nouveaux, pour son projet Nuances littorales.
Avec 4 anciens diplômés du secteur design textile et matière, elle a cherché à mettre en valeur le patrimoine naturel et architectural par le prisme de la couleur et la matière. Un projet qui se développe depuis...

Formé à l’École des Arts Décoratifs - PSL en design textile et matière, Clément Bottier centre ses recherches autour du vivant. Depuis son diplôme en 2014, il travaille en synergie avec des industriels français et des maisons de savoir-faire afin d’intégrer les matières colorantes naturelles et organiques dans le paysage textile français.

Il développe également une activité de transmission auprès d’étudiants et de professionnels du design (ENSCI, Duperré, ENSATT, ENSAAMA…). Depuis 2025, il enseigne l’impression à l’École des Arts Décoratifs - PSL.

Afin de lier le passé et l’avenir de ces travaux, il collabore avec des conservateurs et chercheurs afin de recenser les sources manuscrites techniques de l’histoire des colorants naturels.

- Design Week de Mexico, 2026
- Les Nouveaux Ensembliers, Mobilier National 2025
- Salon du Mobilier, Milan 2024

Suite à une formation en Lettres et en Design Textile et Matière à l'École des Arts Décoratifs - PSL, Justine Décarsin a travaillé en qualité de Designer Print pour différentes maisons de luxe françaises (Maison Margiela, Hermès, Louis Vuitton...) avant de rejoindre l'équipe pédagogique de l''École des Arts Décoratifs - PSL. Elle est aujourd'hui enseignante en dessin textile pour les deux cycles Licence et master tout en continuant à dessiner les accessoires en soie pour Louis Vuitton.

Site web

Aurélie Mosse, PhD, est une designer-chercheuse, professeure et consultante travaillant à l’intersection du design textile, de l’architecture et des nouvelles technologies.

Co-responsable du groupe de recherche Soft Matters à l'École des Arts Décoratifs-PSL depuis 2015, sa recherche explore comment matériaux actifs, vivants, induits par des bactéries, peuvent informer des perspectives d'habitation du monde plus poétiques et résilientes. Elle dirige ImpressioVivo (2021-26), 1er projet JCJC financé par l’Agence Nationale de la Recherche dans une école d’art, qui explore l’impression 3D de matériaux biosourcés et co-fabriqués avec des bactéries dans une optique de design circulaire. Bénéficiaire du réseau doctoral MSCA SOFTWEAR (2022-2026) dédié aux actionneurs souples et leur intégration dans le textile, elle est également membre du comité de pilotage du groupe d'intérêt spécial « Interdisciplinary Textiles Research » de la Design Research Society , et mène par ailleurs une réflexion sur les enjeux de transmissions transgénérationnelles, comme en témoigne son livre "L’accent fantôme et autres impressions séfarades" (2023).

Publications : 

• Buard, M., Mallet, C., Mosse, A. (eds), 2024, La mode comme indiscipline, Montreuil: B42.
• Mosse, A., 2023, L'accent fantôme et autres impressions séfarades, Paris: Presses Universitaires de Vincennes.
• Mosse, A., Rennie, V., Poudoulec, Q., Suárez Zamora, D., 2024, Paper waste grown as a biocalcified foam: perspectives from a bacterial and design viewpoint, Research Directions: Biotechnology Design, Cambridge University Press, pp. 1–24. doi: 10.1017/btd.2023.11.
• Mosse, A., Bassereau, J.F., 2019, 'Soft Matters: en quête d'un design textile et matière plus résilient', Sciences du Design, n°9 Développement durable (Mai 2019), Paris: Presses Universitaires de France
• Mosse, A., 2018, Gossamer Timescapes: a design-led investigation into electro-active and light-responsive textiles for the home, Smart materials and Structures, vol.27, n°7, DOI: 10.1088/1361-665X/aac537.

Enseignante.

Orsina Visconti est une créatrice de couleurs, de textiles et de matières, née en Italie et basée à Paris. Elle est diplômée en design textile de l’École des Arts Décoratifs - PSL et en histoire de l’art de l’université Ca’ Foscari de Venise. Depuis 1998, elle enseigne à l’École des Arts Décoratifs - PSL, au sein du département Design textile et matière, spécialisation tissage et tissage Jacquard.
Elle a également enseigné à l’université Paris-Est Marne-la-Vallée, dans le cadre du master AIGEME, où elle a assuré des cours d’initiation à l’art visuel en e-learning.

Son parcours professionnel s’est développé comme designer textile pour l’industrie, collaborant avec des tisseurs, imprimeurs et ennoblisseurs (notamment Boussac, DMC, Belinac, SNC Textile, Tchaikowski), et concevant des collections pour l’habillement. De 2008 à 2017, elle a été responsable du design CFM (Color, Material, Finish) au sein du groupe Mäder, dans les secteurs de l’automobile, du transport et de l’électroménager.

Depuis 2017, son travail personnel se concentre sur la création de céramiques, développant des pièces uniques à la frontière entre objet utilitaire et objet d’art.

Romain Blot est designer spécialisé dans la chaussure, les accessoires, la joaillerie et l’horlogerie. Diplômé de l’ENSAD et de l’École Duperré, il a complété sa formation à Milan dans le design de haute joaillerie et d’horlogerie. Depuis plus de dix ans, il conçoit des collections, développe des prototypes et encadre des démarches d’innovation dans l’univers du luxe. Il collabore également avec des maisons, des institutions et des artistes sur des projets de performance liée au vêtement, mêlant recherche esthétique et réflexion sur le geste. En parallèle, il enseigne le design d’accessoires et de chaussures à l’ENSAD, où il accompagne les étudiants dans la conception et la réalisation de leurs collections. Son travail se caractérise par une approche exigeante et pragmatique, nourrie par une connaissance approfondie des savoir-faire.

https://fr.fashionnetwork.com/news/-leather-accessory-prize-trois-stylistes-de-l-ensad-recompenses,463444.html
Workshop point d'embranchement Chaire ecodesign & création
https://www.festival-automne.com/fr/edition-2022/olivier-saillard-et-tilda-swinton-embodying-pasolini
https://www.grandpalais.fr/fr/programme/moda-povera-v-les-vetements-de-renee

Expositions (selection):
Musee d'Art Moderne, Ville de Paris
Centre Pompidou, Paris
School Of the Arts Institute of Chicago
Institut français de Naples
The Blue Star, San Antonio
Lab Gallery New York
The Taubman Museum Virginia USA

Formation:
Ecole Normale Supérieure,Cachan
Masters Of Fine Arts Yale University USA
Institut des Hautes Etudes en Arts Plastiques, Paris
DEA, Arts Plastiques Paris 1

Benjamin Monein est designer vêtement indépendant. Après avoir travaillé au sein de plusieurs studios, il co-fonde le collectif GAMUT, où il développe les collections masculines et accessoires, puis lance MONEIN en 2021.

Gilles Rosier est enseignant et coordonnateur du secteur Design Vêtement à l'École.

Géraldine est Designer vêtement avec une expérience de près de dix ans, à la croisée de plusieurs métiers, dans le secteur de l'habillement du Luxe et haut de gamme. Sa vision et ses valeurs la conduisent à valoriser l'innovation textile et la transformation positive du secteur.

Loren Capelli est diplômée de l’École supérieure d’art d’Épinal, où elle s’initie et se passionne pour la gravure, la sérigraphie et la photographie. Collaborant avec de nombreuses maisons d’éditions, elle a reçu le Prix Sorcières dans la catégorie Carrément beau maxi pour son album Cap !, et le Grand Prix de l’illustration Jeunesse en 2020.

Katy Couprie est artiste plasticienne et auteure-illustratrice. Née le 27 juin 1966, elle est diplômée de l’École des Arts Décoratifs - PSL et ancienne étudiante de l’École de l’Art Institute, à Chicago, USA. Elle présente son travail à l’occasion de nombreuses expositions personnelles, en France et à l’étranger, et publie régulièrement des livres depuis 1991, principalement aux Éditions Thierry Magnier depuis vingt ans. L’imagier Tout un monde, publié en 1999, a remporté de nombreux prix et est publié dans de nombreux pays. Le Dictionnaire fou du corps reste à ce jour sa plus grande aventure éditoriale. Il a remporté une Pépite au Salon de Montreuil et le Grand prix Bologna Ragazzi Awards en 2013.

Depuis 1990 création de l'atelier de création graphique "jour ouvrable"

Design graphique et communication visuelle, affiche et campagne  de communication, logotype, typographie, et édition pour des institutions et grandes entreprises - (Ministère de la culture et de la communication, Musée national Jean-Jacques Henner, Groupe BNP Paribas, CCIP, groupe ESCP-EAP, HEC, Première Vision, Ville de Nantes…)

1990 - diplômé AII (atelier d'images informatiques)

diplômé EnsAD 1989 - Graphisme

Lucile Piketty est diplômée de l'école Estienne, de l’Ecole des Arts Décoratifs - PSL et a étudié l'illustration à la Parsons School de New York. Lauréate du prix de gravure Lacourière en 2016, elle est nommée membre de la Casa de Velazquez pour l'année 2017-2018. Elle publie dans les revues L'Instant parisien, Citrus, L'Obs et réalise en parallèle des livres d'artiste en tirage limité.

Formé à Dublin, sa ville natale, Mathew Staunton a étudié l’histoire de l’illustration et obtenu sa qualification d’enseignant. Il a ensuite poursuivi un master et un doctorat à Paris, consacrés à la presse nationaliste irlandaise et à la typographie gaélique. En 2012, il fonde The Onslaught Press à Oxford, une maison d’édition indépendante spécialisée dans la poésie et la langue irlandaise. Elle a publié plusieurs ouvrages primés et s’est récemment associée à Evertype Publishing pour élargir son catalogue. Depuis plus de dix ans, Mathew Staunton développe une pratique artistique et historiographique autour des représentations de la maltraitance infantile. Il est membre du comité de rédaction de la revue universitaire Études Irlandaises, de la Société Française d’Études Irlandaises (SOFEIR), de l’unité de recherche PRISMES à l’Université Sorbonne Nouvelle, ainsi que du Shame Network, un projet interdisciplinaire sur les politiques culturelles de la honte. Il mène également une pratique soutenue de la gravure, principalement en linogravure et en gravure sur bois. Cette pratique, ancrée dans une démarche de recherche, accompagne et prolonge ses travaux théoriques.

Photographe. Auteur de plusieurs livres, dont Tavastia, Eden ou Les Passagers, chez Le Point du Jour et La Montagne aux éditions Loco.

Ses images figurent dans diverses collections publiques et sont régulièrement montrées en France et à l'étranger : 779 (Paris), Musée d'Art Contemporain (Lyon), Centre photographique de Clermont-Ferrand, Centre Régional de Cherbourg-Octeville, Photographers' Gallery (Londres), Finnish Museum of Photography (Helsinki), Boxgalerie (Bruxelles), Musée de la photographie (Anvers), Bloo Gallery (Rome), Centre de la photographie (Genève), Fremantle Arts Centre (Australie)…

ormation et titres universitaires

- DEA - Nouvelles technologies de l’information, IMAC, Paris II (1997)
- DNSEP - Art, Villa Arson, Nice (1995)
- BAC - Sciences de la nature, Cannes (1989)

Représenté par :
Galerie Air de Paris, Paris (France)
Team Gallery, New York (USA).

Collections en France :
FRAC, Fonds Régional d'Art Contemporain, Alsace, France |22|
FNAC, Fonds National d'Art Contemporain, Puteaux, France |9|17|23|
FRAC, Fonds Régional d'Art Contemporain, Poitou-Charentes, France
FRAC, Fonds Régional d'Art Contemporain, PACA, France |X|
NMNM, Principauté de Monaco |23|29|

Collections Internationales :
MoMA, Museum of Modern Arts, New York, USA |X|
Sammlung Goetz, Munich, Allemagne |17|
Bambi Foundation, Tel Aviv, Israël |22|

Bourses :
Fonds d'incitation à la création, FIACRE (DAP), 1997, France
Fonds d'incitation à la création, FIACRE (DAP), 2003, France
CNC - dispositif pour la Création Artistique Multimédia (DICRéAM), Maquette, 2005, France
CNC - dispositif pour la Création Artistique Multimédia (DICRéAM), Production, 2006, France
Culturesfrance / hors les murs, 2008, Los Angeles (3 mois), CA, USA

Monographie :
Brice Dellsperger - Body Double / Marie Canet - Posture et talons hauts, Toastink Press, les presses du réel (Fr), 2011
Brice Dellsperger - Body Double / Marie Canet - Posture and High Heels, Toastink Press, Sternberg Press (Eng), 2011

Expositions personnelles :
2014
The Complete Body Double, Team Gallery, New York, USA
2013
Bons baisers d’Hollywood, Air de Paris, France |26|27|28|29|30|
Like Mirror, avec Natacha Lesueur, Transpalette, Bourges, France (cur. D. Sausset)
2012
Art Unlimited (Air de Paris/Team Gallery), Bâle, Suisse |27|
2011
Brice Dellsperger & Jean-Luc Verna, FRAC Alsace, Sélestat, France (cur. O. Grasser) |22|23|26|
Brice Dellsperger / Jean-Luc Verna, Sala Verónica, La Conservera, Murcia, Espagne (cur. Pablo Del Val) |9|15|22|27|
Refreshing Fassbinder... And Kubrick... , Team Gallery, New York, USA |22|23|27|
2010
More Body Doubles, Air de Paris, Paris, France |22|23|
2009
Body Double, Kunstbunker, Nürnberg, Allemagne |14|17|18|19/20|21|23|X| 2007
Ikiz Beden, Akbank Art Center, Istanbul, Turquie (cur. A. Akay) |4|5|8|9|10|13|15|19/20|FT|
2006
Body Double, Air de Paris, Paris, France |21|
2004
Body Double 18, Team Gallery, New York, USA |18|
Video Works, Sketch, Londres, UK (cur. A. Pollazon) |13|17|16|
2003
Gallery Lisa Ruyter, Vienne, Autriche |16|17|
Air de Paris, Paris, France |16|18|
Obsession, Le Studio, Galerie Yvon Lambert, Paris, France |2|10|
Anderson Gallery, Des Moines, Iowa, USA (cur. Cira Pascual Marquina) |15| Midway, St. Paul (avec Jean-Luc Verna), USA (cur. John Rasmussen) |17|X|

Articles (sélection) :

Lise Guéhenneux, Brice Dellsperger et Natacha Lesueur, in Labellerevue.org, chronique du mois, mai 2013
Leslie Riggs, Ateşli Mahluklar: Üçüncü Cins, in GençSanat, N°200, 12/2011, pp. 27-33
Mickaël Pierson, Body Double : aux frontières du réel, in Chimères "Devenir hybride", N°75, automne 2011
Annika von Taube : XX-XY, in sleek, autumn 2011, p. 97, p. 222
Sergio Rubira, El sujeto que actúa, in EXIT Express, N°59, junio-julio 2011, pp. 52-53
Valérie Paille, Megalo Art - Me, myself and I!, in Tracks, Arte TV, mardi 08 mars 2011
Elisabeth Kley, Multiplicity of masks, in www.artnet.com, 04.02.11
Ihana Gabriel, Un parcours artistique tape à l’œil et à l’oreille, in 20minutes, 1er octobre 2010
Alain Berland et Valérie Da Costa, Trans-Obsession, in Mouvement, N°56, juillet-septembre 2010, pp. 142-145
Clara Schulmann, "Nothing rings a bell?", Brice Dellsperger, Body Double 22, in May, N°4, 06/2010, pp. 187-197
Cécilia Bezzan, Expositions, in Art Press, N°367, mai 2010, p.89
Emmanuelle Lequeux, Galeries, in Le Monde, 14.03.10, p. 22
Julia Langbein, Critics' Picks, in artforum.com, mars 2010
Elisabeth Lebovici, Des Body-Doubles de choix: Dellsperger chez Air de Paris, in le-beau-vice.blogspot.com, 23.02.2010 Nicolas Heimendinger, More Body Doubles, in paris-art.com, 02.2010
Carine Soyer, Initiales BD, in artnet.fr, 8 mars 2010
Stéphane Delorme, Brice de Palma, in Cinéma en numérique : De Brian de Palma à Brice Dellsperger, supplément festival d’Automne, in Cahiers du Cinéma, N°628, novembre 2007, p.13
Marie Darrieussecq, Body Double X, in Beaux-Arts Magazine, N°278, août 2007, p. 52-53
Le Top 10 2006, in Technikart, décembre 2006-janvier 2007, p. 118
Détournements majeurs, in Dernières Nouvelles d’Alsace, 14 décembre 2006
Charles Barachon, in Spike, N°8, sommer 2006
Marie Cozette, in Tema Celeste, N°116, Juillet-Août 2006, p.80
Charles Barachon, Art Selector, in Technikart, mai 2006, p.98
Françoise-Claire Prodhon, L'art en tête, in AD, N°57, mai 2006, p.54
Jean-Max Colard, Move your body, in Les Inrockuptibles, N°547, du 23 au 29 mai 2006, p. 76

Natacha Lesueur est photographe et plasticienne. Elle est lauréate u Prix Fondation d’entreprise Ricard elle fût résidente à la Villa Médicis en 2002-2003. Son travail se développe en réaction à la multiplication d’images-modèles véhiculées par les médias. Le corps, et les identités genrées sont ses sujets de prédilection.

Enseignante.

BAC
DNSEP

PROFESSEUR  2° catégorie

Enseignante Arts plastiques à l’Ecole d’architecture de Paris Val-de-Seine
Enseignante Photo/Vidéo à l’Ecole des beaux-arts de Gennevilliers

Workshop: Ecole des beaux-arts de Montpelier, Ecole des beaux-arts de Cergy-Pontoise,
Ecole des beaux-arts de Quimper…
Conférences: Ecole des beaux-arts de Paris, Ecole des beaux-arts de Lyon…
Jury: Ecole des beaux-arts de Paris, Ecole des beaux-arts de Cergy-Pontoise, de Toulouse...

2010 / 2013
EXPOSITIONS
Till the end, Galerie In Situ, Paris, France (Solo show)
Drink in park, CRAC de Sète, France (Solo show)
Des images comme des oiseaux, Commissariat Patrick Tosani, La Friche Belle de Mai, Marseille
Nessun oggetto è innocente, Les Pléiades FRAC Corse, Corte
Nuit Blanche 2013, Paris

PUBLICATIONS
P.Joly, «Florence Paradeis & Sylvain Rousseau», Revue 02 N°53, P.62, printemps 2010
C.Francblin, «Exposition: Crac de Sète», Artpress N°366, P.89, avril 2010
Auto Focus, l’autoportrait dans la Photographie Contemporaine, Susan Bright, Editions Thames & Hudson 2011

Après avoir pratiqué la photographie, Marie Voignier étudie à l’école des beaux-arts de Lyon. Son travail se concentre depuis sur la réalisation de films. Marie Voignier s’intéresse avant tout à des réalités nouées, à des histoires complexes où se mêlent plusieurs vérités. Son approche problématise non seulement la constitution même de la réalité et ses médiations compliquées, mais aussi la position de l'observateur, qui fait toujours déjà partie de la mise en scène. Jouant sur des glissements troubles entre documentaire et fiction, elle cadre des situations où le réel emprunte soudainement les chemins de l’artifice, que ce soit au sein de l’industrie des loisirs, des médias de masse, des sciences plus ou moins occultes ou du monde du travail. Son travail est représenté par la galerie Marcelle Alix. Elle enseigne à l’École des Arts Décoratifs – PSL depuis 2022.

Réalisations :
Elle a notamment réalisé Anamocot (Visions du réel 2025), Moi aussi j’aime la politique (FID, 2022), Na China (Visions du Réel 2020 ; Singapore biennial 2020), Tinselwood (Berlinale, 2017 ; Centre Pompidou, 2018 ; LAXART, 2019), Les Immobiles (Biennale de Venise, 2017).

Guillaume Aubry est né en 1982. Il vit et travaille à Paris, Fermanville (Cotentin) et Les Bordes (Berry). Il est architecte de formation, diplômé de l’Université de Tokyo (Master) et de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Paris - La Villette (DPLG).
Co-fondateur de l’agence d’architecture et de scénographie Freaks à Paris, il est parallèlement artiste-plasticien et chercheur, diplômé des Beaux-Arts de Paris (post-diplôme La Seine) et docteur en art (programme Radian).

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Après des études en Architecture, Elise Capdenat a été diplômée de l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs en Scénographie (1993). À l’occasion d’une année en résidence à la Villa Médicis à Rome (1996/1997), Elle publie le livre Circo Massimo-Sette Sale X2 en collaboration avec Anne Attali en 1998.

Depuis 1995, elle collabore avec Eric Didry à la fois pour ses créations (Boltanski / interview en 1995, Récits / Reconstitutions en 1998, Non ora, non qui en 2002/2003, L’oppoponax en 2005, la loi du marcheur avec Nicolas Bouchaud en 2010) et de nombreux cycles de formations (stage AFDAS, Ecole du TNB).

En 2004, Elle a conçu et réalisé la scénographie de la boutique Dover Street Marquet de Comme des Garçons à Londres.
De 2003 à 2010, Elle a participé aux créations et aux périodes de recherche de Sylvain Prunenec (Effroi en 2003, Redoux 2004, Lunatique 2006, About you 2007, résidence « in-situ» à Bagnolet en 2009/2010, bourse du CND)
Depuis 2009, elle collabore avec Thierry Collet sur ses spectacles « de magie politique » : influences mise en scène par Michel Cerda (en 2009) et Qui-Vive mise en scène par Eric Didry (en 20012).
Elle explore  l’Opéra avec Antoine Gindt : Ringsaga (la tétralogie de Richard Wagner) crée en 2011 puis Aliados (opéra contemporain de Sébastien Rivas) en 2013.
Elle collabore également aux nouvelles créations de Nicolas Bouchaud : Paroles d’acteurs  (Festival d’Automne, Oct 2012), le projet Lucioles (Avignon en 2013).

Né à Marseille en 1976, il vit et travaille à Paris. Plasticien, vidéaste et scénographe, Patrick Laffont-DeLojo développe son travail « au plateau » au plus près des interprètes.

Très sensible à la performance, à la danse contemporaine et au théâtre, il trouve dans la photographie, puis, plus encore, dans l’art vidéo un saisissement de l’instant qui résonne avec l’immédiateté et la vulnérabilité du corps sur scène. Il collabore depuis 2004 avec Cyril Teste au sein du collectif MxM et depuis 2017 avec Frederique Aït-Touati et Bruno Latour.

Orfèvre de formation et diplômé de l’École Boulle, il poursuit des études de théâtre à Censier afin d’approfondir son approche de la dramaturgie. Il enseigne la scénographie à l’École des Arts Décoratifs – PSL depuis 2007. En 2011, il organise à la Grande Halle de la Villette un colloque international réunissant pendant deux jours cinquante scénographes et universitaires européens, sous l’égide de l’École des Arts Décoratifs – PSL et du ministère de la Culture. Cette rencontre donne lieu à la publication des actes Qu’est-ce que la scénographie ?, en partenariat avec l’Université catholique de Louvain.

Sa pratique artistique de scénographe est pluridisciplinaire et couvre le théâtre, l’exposition, la danse contemporaine, le cirque et le cinéma, où il intervient également comme chef décorateur sur une vingtaine de films. Il collabore avec des metteurs en scène, commissaires d’exposition, chorégraphes, circassiens, réalisateurs et architectes. Il développe parallèlement une pratique personnelle du dessin et de la gravure. Attaché à la transmission, il est régulièrement sollicité pour contribuer à des articles et essais dans des revues spécialisées. Son travail est publié dans plus d’une trentaine d’ouvrages français et internationaux, universitaires et grand public. Il intervient également dans de nombreux workshops, conférences et masterclasses en France et à l’étranger.

En 2000, il est nommé Chevalier des Arts et des Lettres par la ministre de la Culture pour l’ensemble de son œuvre. Il reçoit plusieurs prix et distinctions, dont une bourse d’aide à la création en 2003, le Prix Arturbain en 2004 pour l’aménagement du site du Pont du Gard, et le Prix du Design et de la Scénographie en 2016, décerné par la CCI Île-de-France, l’Ordre des architectes et la Ville de Paris. En 2023, il participe à la délégation française du ministère de la Culture à la Quadriennale de Prague, avec le mobiltéat’, projet de théâtre mobile écoresponsable, autonome en énergie et modulable, labellisé France 2030. Il prépare pour 2026 deux nouvelles publications : Quelles scènes pour l’Anthropocène ?, ouvrage de réflexion illustré par ses soins, et Il dit…, roman documentaire dessiné par ses soins et coécrit avec Fabrice Melquiot.

Diplômée en scénographie de l’École des Arts Décoratifs – PSL en 1995, Annabel Vergne développe depuis une activité dans le champ de la scénographie de spectacle, pour le théâtre, la danse et l’exposition. Elle collabore notamment avec Jean Boillot, Romain Bonnin, Clyde Chabot, Patricia Allio & Éléonore Weber, Gilbert Désveaux, Marie Piémontèse, Julika Mayer, Françoise Tartinville, Benoît Lachambre et Su-Feh Lee. Elle conçoit également des scénographies d’exposition pour différentes institutions culturelles. À partir de 2000, à la suite d’une résidence à la Cité Internationale des Arts de Paris, elle développe une pratique artistique sous forme de vidéos et d’installations mettant en jeu la parole et l’espace

À travers des dispositifs visuels, lumineux et sonores, ses propositions interrogent les conditions de perception et les variations entre voir et percevoir. Ses projets personnels ont notamment été présentés au Centre Pompidou, au Palais de Tokyo, à l’Institut Français d’Architecture, au FRAC Île-de-France / Le Plateau, au Théâtre de la Cité Internationale et au Musée Zadkine, ainsi qu’en Suède au Nacka Konsthall. Annabel Vergne enseigne la scénographie à l’École des Arts Décoratifs – PSL depuis 2006 et co-dirige régulièrement le département Scénographie. Avec Roxane Jubert, elle est à l’initiative du Manifeste pour un monde soutenable de l’École des Arts Décoratifs – PSL (2019). En 2021-2022, elle est lauréate, avec Quentin Rioual, de l’appel à projets « Recherche, Théâtre et arts associés » du ministère de la Culture pour une recherche intitulée « Scénographie et écophanie. Penser la création dans un monde fini ».

En 2021, elle cofonde avec Quentin Rioual et Sylvie Bétard l’Augures Lab Scénogrrraphie, avec 4R, afin de développer les pratiques écoresponsables de la scénographie et leur enseignement. Réunissant aujourd’hui plus de quatre-vingts professionnel·les du secteur culturel, ce laboratoire mène des recherches-actions collectives sur l’écoscénographie et contribue notamment à la création de l’écothèque, plateforme collaborative dédiée à ces pratiques. Cette activité de recherche et d’expérimentation nourrit directement son enseignement à l’École des Arts Décoratifs – PSL.

Ancienne élève de l'ENS (Fontenay-Saint-Cloud), Judith Abensour a suivi un cursus universitaire en littérature française et en études cinématographiques. Elle soutient une thèse sur l’image dans la poésie contemporaine. Après avoir enseigné 10 ans à l'Ecole Supérieure des Beaux-Arts TALM (site d'Angers) et elle rejoint l’École des Arts Décoratifs - PSL en 2018. Elle enseigne dans le secteur Photo/Vidéo, interrogeant la mise en espace des images au croisement de l’art et cinéma. Elle explore aussi les nouvelles écritures documentaires. Dans le cadre du collège HTC, elle propose des cours sur la littérature, la poésie contemporaine et les enjeux de la traduction.

Son travail se situe entre cinéma, écriture et théorie. Elle a dirigé la collection d’écrits cinématographiques « faux raccord » chez Post-éditions. C’est dans ce cadre qu’elle a publié Vie et mort des aoûtiens – hantise du scénario (2015). Elle écrit régulièrement des articles critiques sur le cinéma. Elle travaille actuellement à la rédaction d’un livre sur le son de la guerre en Israël et Palestine.

C’est dans ce même contexte territorial qu’elle a réalisé deux films Parades (co-réalisé avec Thomas Bauer) et Foedora. Actuellement, elle travaille à l'écriture d'un film sur les phénomènes de la Villa Carmen, premières expériences spirites qui ont eu lieu dans l’Algérie coloniale du début du 20ième siècle.

Publications :
- Réactivations du geste (direction ouvrage collectif), Le Gac Press, 2010
- Vie et Mort des aoûtiens, Post-éditions, 2015
- Parades (co-réal. Thomas Bauer), 2013

Sheila Donovan Atala est une artiste pluridisciplinaire et enseignante qui a développé sa pratique scénique à New York au sein des milieux du théâtre et musique expérimentale. Basée en France, elle collabore avec de nombreux artistes en tant qu’interprète, chorégraphe et traductrice, et contribue également à l’élaboration et à la rédaction des partitions et protocoles d'œuvres. Dans son travail personnel, elle développe une pratique expérimentale et transdisciplinaire qui explore les notions de travail artistique en tant que pratique située, de transmission, ainsi que de transformations cognitives et incarnées des états.

Sa pédagogie s’inscrit dans l’héritage des pédagogies de la libération ainsi que des approches décoloniales et féministes, en mettant l’accent sur l’incarnation, l’expérience partagée et la communication. En plaçant le travail collectif au cœur de sa pratique et en recourant à des méthodes relationnelles et spéculatives, elle explore les processus d’affinement des perceptions et de mise en mots de l’expérience affective.

Elsa Boyer est écrivaine, théoricienne et traductrice. Elle a publié huit récits aux éditions P.O.L et MF, dans lesquels elle explore les effets de notre environnement médiatique et numérique contemporain sur nos perceptions et nos affects, à travers notamment les images des réseaux sociaux, des jeux vidéo, du sport et de la politique. Elle écrit également de la poésie, notamment Laminaire, publié aux éditions Zoème en 2024. Traductrice de fiction et d’essais, elle a notamment traduit Heather Lewis, Denis Cooper et, avec Camille Pageard, les poètes Verity Spott et CAConrad. Elle est également l’autrice de deux essais : Le Conflit des perceptions (MF, 2015), consacré à la technologie, aux jeux vidéo et à la phénoménologie, et Turing (Les Pérégrines, 2023), qui interroge l’intelligence artificielle, la figure d’Alan Turing et les questions de genre dans le numérique. Elle enseigne la théorie des médias, les humanités numériques et les écritures contemporaines à l’École des Arts Décoratifs – PSL.

Principales publications :
Mister, P.O.L, 2014
Walla Walla, P.O.L, 2019
Orbital, MF, 2021
Grip, MF, 2023
Laminaire, Zoème, 2024
Le Conflit des perceptions, MF, 2015
Turing, Les Pérégrines, 2023 »

Francesca Cozzolino est anthropologue et enseignante en sciences humaines et sociales à l’École des Arts Décoratifs – PSL depuis 2013. Chercheure à EnsadLab, laboratoire de recherche en art et design de l’École des Arts Décoratifs – PSL, et membre affiliée au Laboratoire d’ethnologie et de sociologie comparative (LESC-CNRS) de l’Université Paris Nanterre, elle est également associée au CEMCA (Centro de Estudios Mexicanos y Centroamericanos) de Mexico. Depuis 2010 elle a réalisé plusieurs enquêtes dans le monde de l’art et du design et mené plusieurs missions de recherche en France et à l’étranger (Europe, Etats-Unis, Benin, Mozambique, Mexique) en se spécialisant dans l’ethnographie des pratiques artistiques et en développant ses recherches à la croisée de l’anthropologie de l’art, de la culture matérielle et des études décoloniales. Ses travaux défendent une anthropologie politique de l’art qui interroge les manières dont les acteurs d’une société, à partir des formes artistiques et des discours sur la création qu’ils produisent, génèrent une pensée politique et conçoivent leur propre avenir, particulièrement dans des contextes postcoloniaux. Elle enseigne dans le secteur design graphique, donne un cours magistral de HTC « Émancipations et dominations culturelles. Approches anthropologiques » et pilote le groupe de recherche « art, design et société » à EnsadLab.

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Stéphane Degoutin est artiste, écrivain, réalisateur et chercheur. Il réalise une production artistique variée, comportant des films, des œuvres interactives, des installations, des performances et des livres. Ses travaux portent sur les implications sociétales des infrastructures, sur l’humanité après l'humain.
Ses œuvres enquêtent sur des situations d’ambivalence, entre guerre et danse ou entre architecture et plaisir, et sur l’obsolescence programmée de l’humain. Il soutient, en 2019, une thèse en aménagement de l'espace, urbanisme intitulée "Société-nuage".

Principaux livres : Prisonniers volontaires du rêve américain (2006), Psychanalyse de l'aéroport international (2019).
Principaux films : Cyborgs dans la brume (2010), World Brain (2015), Erewhon (2019), La maison qui vous veut du bien (2021).

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Docteur en esthétique, philosophe, il intervient en 1ère année (Groupe 2), 2ème année (cours transversal du mardi : "L'inquiétude de la beauté"), en Cinéma d’animation et Scénographie.

Docteure en histoire de l’art contemporain, Lucile Encrevé est professeure d’Histoire et Théorie des Arts à l’École des Arts Décoratifs - PSL depuis octobre 2013, où elle est rattachée au collège de Théorie et au secteur Design Textile et Matière. Spécialiste de l’abstraction et du champ féministe, elle s’intéresse aux liens entre art et arts décoratifs, aux dialogues entre art et textile, entre peinture et textile, entre abstraction, textile et genres, avec un regard particulier sur les productions de créatrices. Ses recherches portent également sur la place et les expériences des femmes à l’École des Arts Décoratifs. Elle co-organise avec Francesca Cozzolino en décembre 2025 une journée d'études à l’École des Arts Décoratifs - PSL : « Ce que les féminismes font à l’histoire de l’art ».

Conférences récentes :
« Écritures abstraites et textile. Un territoire genré ? » (ENS, sept. 25);
« Comment enseigner l’histoire de l’art aux futurs artistes » (INHA, mai 24);
« S’opposer, résister, déconstruire. Le textile comme outil de subversion » (Le Bercail, Dunkerque, déc. 23).

Publications en lien avec l'histoire de l'École des Arts Décoratifs - PSL :
« La place des femmes à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs. Une autre Histoire à écrire », Faire œuvre, La formation et la professionnalisation des artistes femmes aux XIXe et XXe siècles, association AWARE, 2023 ; « Dessin et engagement à l’EnsAD : la part des femmes », revue Décor, n°3, sept. 2023 ; conception et réalisation, avec un collectif d’étudiant·es du projet « Chères toutes. La parole des femmes fait événement à l’École des Arts Décoratifs », 2021 : site internet fondé sur une collecte orale de paroles de femmes travaillant ou ayant travaillé aux Arts déco.

« Consultante en design, commissaire d’exposition et journaliste pour différents médias internationaux, Anna Bernagozzi enseigne depuis 2004 la théorie et l’histoire du design à l’École des Arts Décoratifs – PSL. Elle développe une pratique à la croisée du design, de la prospective et des sciences sociales, et collabore notamment avec des sociologues et prospectivistes tels que Mathias Horx, Bernard Cathelat et Li Edelkoort. Convaincue de l’importance de l’analyse des contextes, elle développe des méthodologies transdisciplinaires qui invitent les designers à mieux comprendre les problématiques contemporaines et à devenir acteurs du changement. Elle dirige notamment, à l’École des Arts Décoratifs – PSL, des projets de recherche européens consacrés à l’expérience du voyage (IC-IC, 2011-2014) et au dialogue interculturel (4Cs – From Conflict to Conviviality through Creativity and Culture, depuis 2017), mobilisant les outils du design pour appréhender les dimensions sociales, politiques et culturelles des situations de conflit.

Anna Bernagozzi est également auteure de nombreux articles et contributrice à plusieurs ouvrages consacrés au design et à ses évolutions. Commissaire d’exposition depuis 2001, elle a notamment conçu ou accompagné des expositions à Cologne, Courtrai, Paris, Londres et Liège, consacrées au design contemporain, au prototypage rapide et aux enjeux émergents de la discipline. Son travail défend une vision du design comme outil collectif de transformation sociale, capable de favoriser de nouvelles formes de dialogue, de partage et de relation. ».

« Ancienne responsable des archives documentaires de la maison Yves Saint Laurent et collectionneuse privée, Guénolée Milleret est la fondatrice et l’administratrice de l’iconothèque Images Guénolée Miller, un fonds patrimonial entièrement numérisé et référencé, qui rassemble plus de 17 500 documents consacrés à la mode, au mobilier, à l’architecture et au décor intérieur : gravures et lithographies de mode, vues d’intérieurs et documents architecturaux, du XVIIe siècle aux années 1950. Depuis 2011, elle enseigne par ailleurs l’histoire de la mode et du costume à l’École des Arts Décoratifs – PSL, ainsi qu’à ESMOD Rennes.

À travers ses premières publications, Guénolée Milleret contribue à la redécouverte d’un patrimoine iconographique constitué au fil des siècles par l’édition documentaire et la presse spécialisée dans les domaines de la mode, du décor intérieur et de l’architecture. Auteure-éditrice indépendante sous la marque éditoriale © éditions du Canezou, elle développe une collection d’ouvrages consacrée aux métiers et aux savoir-faire de la mode. Ces publications donnent la parole aux artisans et mettent en lumière leurs pratiques en les replaçant dans une perspective historique, avant de porter le regard sur le présent et sur l’engagement des professionnels contemporains, dans la diversité de leurs pratiques et de leurs environnements de travail. »

Artiste vivant et travaillant à Paris, Sabine Mirlesse mène une carrière active dans les arts visuels, spécialisée dans la sculpture, la photographie et les installations in situ. Elle a fait ses études à Montréal et à New York, où elle a obtenu ses diplômes en littérature et religion comparative à l'Université McGill et son Master of Fine Arts à la Parsons School of Design. Elle expose dans des galeries et institutions en France et à l'étranger et a été lauréate du prix « mondes nouveaux » du ministère de la Culture en 2022.

Après avoir travaillé pendant des années avec les secteurs Art Espace et Photo/Vidéo, les cours electives de Sabine Mirlesse sur l'intégration de l'écriture dans la recherche créative et sur la déconstruction des fils narratifs dans nos pratiques artistiques sont désormais proposés à tous les secteurs. Une partie de son projet pédagogique consiste à garantir un espace dédié à l'écriture créative telle qu'elle est enseignée dans les contextes universitaires nord-américains, mais adaptée au cadre d'une école d'art et de design.

Historien et critique d’art, il intervient en Photo/vidéo, il donne plusieurs cours transversaux le jeudi « Emprise des lieux » et « Illuminations profanes ».

Annabela Tournon Zubieta est historienne d’art et critique d’art. Ses recherches, situées à l’intersection de l’histoire sociale, politique et des techniques, portent sur l’art moderne et contemporain, avec une attention particulière aux questions féministes et décoloniales. Elle a organisé plusieurs expositions autour du mouvement des Grupos au Mexique dans les années 1970 et collaboré avec la Red Conceptualismos del Sur, ainsi qu'avec le collectif Observatoire : Globalisation, art et prospective à l’Institut national d’histoire de l’art. Elle a notamment édité Grupo Mira. Una contrahistoria de los setenta en México (Puebla, Fundación Amparo, 2022). Elle prépare actuellement plusieurs projets d’édition, de traduction et d’exposition, notamment avec des artistes qui s’intéressent aux histoires connectées à l’échelle globale, aux contradictions de l’histoire coloniale, et qui contribuent à rendre visibles les récits de la modernité produits depuis les Amériques latines.
À l'École des Arts Décoratifs - PSL , elle enseigne la théorie de l’art et les études décoloniales et intervient dans le secteur « Image imprimée » et dans le cadre de la chaire « Nouveaux imaginaires du dessin ».

Justinien Tribillon est urbaniste, curateur, critique d'architecture, et éditeur avec une pratique transdisciplinaire et itinérante incluant sciences sociales, photographie, architecture, histoire, design. Parmi ses publications récentes La Zone : Une Histoire Alternative de Paris (B42, 2025), Visible upon Breakdown (Spector Books, 2024). Docteur en urbanisme de la Bartlett School of Planning, University College London, il a consacré sa thèse à la construction du Boulevard périphérique de Paris. Il contribue régulièrement à des magazines (The Architectural Review, AOC), des ouvrages collectifs, des catalogues d’exposition. En 2023-2024, il est pensionnaire à la Villa Médicis avec un projet sur la perruque ouvrière. Il poursuit cette recherche en 2025-2026 dans le cadre d’une commande du Victoria & Albert Museum. Justinien rejoint l'École des Arts Décoratifs - PSL en 2024 en tant qu'enseignant d'Histoire, Théorie et Critique, la plupart de ses cours se déroulant dans le secteur Design Architecture Milieu (anciennement Architecture d'Intérieur).

Publications :
La Zone : Une Histoire Alternative de Paris (B42, 2025) Visible upon Breakdown (Spector Books, 2024) Rudéral : Identités Liquides (Deux-cent-cinq, 2024) Migrant Journal (2016-2019)

Site web

Sculpteur, photographe et créateur de parfum , le travail de Morgan Courtois défend un retour à un esthétisme inspiré par le craft, le camp et le baroque. On peut soutenir que l’univers est fondamentalement créatif et qu’il produit un «débordement» de phénomènes sensoriels inutiles mais esthétiquement plaisants. Les animaux et les plantes communiquent au moyen de couleurs, de sons et d’odeurs qui semblent n’avoir d’autre but que de séduire, d’attirer et parfois de repousser. Ces manifestations de désir et d’excès constituent le fondement du travail de Courtois qui rend palpable les forces esthétiques et affectives qui traversent, voire dépassent, le monde matériel.

Morgan Courtois est né à Abbeville (France) en 1988, il vit et travaille à Paris. Il reçoit le prix Meurice en 2017 et intègre la Rijksakademie (Amsterdam) en 2018. Son travail a été récemment présenté au Musée d'art Moderne de la ville de Paris, à la Fondation Pernod Ricard et au Musée Zadkine à Paris,à l’Exposition Universelle de Dubaï, à Townhouse au Caire, Egypte ou encore à SALTS, Bâle, Suisse. Il est représenté par la galerie Balice Hertling.

Alain Declercq présente régulièrement son travail en France et à l’international. Ses œuvres ont notamment été exposées au Palais de Tokyo, au Musée d’Art moderne de Paris et au Centre Pompidou, ainsi que dans plusieurs institutions internationales, parmi lesquelles le MOCA de Taipei, le MAC de Melbourne et l’ISCP de New York. Son travail est représenté par la galerie Loevenbruck à Paris et par la galerie Elaine Levy à Bruxelles.

Jean-François Fourmond est photographe auteur, diplômé de l’Ecole des Arts Décoratifs - PSL et professeur dans les écoles nationales supérieures d’art. Il débute sa carrière de photographe à la fin des années 1980 dans les domaines de la publicité et de la mode. Depuis une vingtaine d’années, il développe un travail documentaire consacré aux questions sociétales, dans lequel la place de l’humain occupe une position centrale. Il s’intéresse notamment à ce qui demeure invisible, aux oubliés, à la solitude et à la disparition. De 2006 à 2009, il anime un workshop documentaire au Conservatoire des Arts et Métiers et Multimédia de Bamako. Son travail consacré aux maisons de retraite médicalisées et à la vie du quatrième âge est notamment exposé au Palais du Luxembourg à Paris en 2009.

Photographe de l’agence de presse spécialisée en urbanisme et architecture Urba Images depuis 1994, il en assure la direction de 2012 à 2014. Depuis plusieurs années, ses recherches portent sur les transformations urbaines et territoriales liées au Grand Paris, autour des notions de mutation et de mémoire. Ce travail fait l’objet d’une première restitution en 2020 à Bagneux, à travers une exposition présentée dans la Cité des Musiciens. Dans sa pratique, Jean-François Fourmond associe photographie, son et vidéo et collabore régulièrement avec des artistes et auteurs issus de différents horizons.

Le parcours de Mathieu Gaudric débute à l’Ecole des Arts Décoratifs - PSL, où il fait la rencontre décisive de peintres et de sculpteurs dont il suit l’enseignement. Il découvre auprès d’eux le courant de la sculpture indépendante des XXe et XXIe siècles, auquel il se rattache en intégrant, dès son ouverture en 2004, la Galerie Malaquais à Paris et en participant à la série d’expositions qu’elle organise autour de Rodin et Germaine Richier. Il poursuit ses recherches en travaillant dans un atelier à Paris, où il mène un travail de peintre, en parallèle de son activité de sculpteur. En 2002, l’Académie des Beaux-Arts récompense son travail de dessin, puis son travail de portrait dès l’année suivante, avant de récompenser son travail de sculpteur en 2007 par un prix remis par Pierre Cardin.

En 2003, il est admis comme pensionnaire à la Villa Médicis – Académie de France, à Rome. Vouant un réel engagement à la transmission, il est nommé professeur de dessin et de sculpture à l’Ecole des Arts Décoratifs - PSL en 2009. Mathieu Gaudric expose régulièrement son travail de peinture et de sculpture. En mai 2025, la Galerie Thibault Hölscher, rue de l’Université à Paris, lui consacre une exposition de ses peintures. La même année, il réalise une sculpture monumentale pour la Ville d’Orléans en hommage à l’Appel du 18 juin, inaugurée le 8 mai 2025 en présence du Président du Sénat. Les études et maquettes préparatoires ont quant à elles fait l’objet d’une exposition au Musée des Beaux-Arts de la Ville d’Orléans en septembre 2024.

Compositeur de musique électronique, Bertrand Gauguet multiplie les collaborations avec la danse et le cinéma en composant des musiques originales et en réalisant également des décors sonores pour le spectacle vivant ou des expositions. Saxophoniste improvisateur et interprète, il multiplie les collaborations en étant programmé dans de nombreux festivals de musiques nouvelles et expérimentales en France et à l’étranger. Ses intérêts explorent la relation entre musique et non-musique, le son comme support de méditation, les enjeux cognitifs de l'écoute, la phénoménologie du son, l’acoustique et plus largement les différents rapports que son et musique entretiennent avec l’espace physique, social et politique. Il a été pensionnaire de la villa Kujoyama à Kyôto en 2011. Il a enseigné l’histoire de l’art contemporain de 2006 à 2016 et les pratiques sonores de 2007 à 2016 à la Haute Ecole des Arts du Rhin - site de Mulhouse, où il a co-fondé l’atelier et le pôle de recherche Sonic : programmation de concerts, commissariat d’expositions, conférences et auteur pour différentes revues et ouvrages collectifs. Il enseigne les pratiques de création sonore depuis 2017 à l’École des Arts Décoratifs - PSL.

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Rémi Hamoir est diplômé de l’École des Arts Décoratifs – PSL, secteur Image imprimée, en 1999. Il enseigne le dessin pendant deux ans à l’École des beaux-arts de Rueil-Malmaison, avant de se consacrer pleinement à la peinture.

Entre 2002 et 2004, il séjourne en Espagne, en lien avec la Casa de Velázquez, où il réside sans être boursier. À son retour en France, il commence à exposer régulièrement dans différentes galeries, notamment à l’occasion de deux expositions personnelles à la galerie agnès b., rue Dieu, qui donneront lieu à une édition de t-shirts réalisés à partir de son travail.

Il embarque ensuite à bord de la goélette Tara pour un voyage d’exploration scientifique en Méditerranée, au cours duquel il réalise une série d’aquarelles.
À la suite de cette mission, il participe à plusieurs expositions en collaboration avec Tara Océan.

En parallèle de sa pratique artistique, Rémi Hamoir développe une activité pédagogique : il devient enseignant en dessin à l’École de Condé en 2010, puis à l’École des Arts Décoratifs – PSL en 2015, où il initie des partenariats entre l’école et Tara Océan.

Il expose à Londres en 2016 à la galerie B. Chauchet.

Née à Paris en 1972, Iris Levasseur vit et travaille à Arcueil. Son univers pictural est un mélange étrange de pesanteur et de légèreté, de réalité humaine et de rêves. En peintre chorégraphe, elle questionne les corps et leur évolution dans l'espace, à travers des scènes monumentales aux interprétations ouvertes qui imposent leur présence physique au spectateur. Les compositions dans lesquelles elle met en jeu ses figures se réfèrent à des situations d'échanges violents, de dépositions dramatiques et d'abandons insondables du corps. Son regard sur le monde qui l’entoure est primordial et elle tire son inspiration de l’observation quasi quotidienne de zones péri-urbaines, d’où l’importance de certains détails comme les vêtements de ses personnages. Les textures employées ont pour effet de suggérer une instabilité, parfois même un malaise. Iris Levasseur est représentée à Paris par la galerie Odile Ouizeman depuis 2007 et par la galerie Iragui a Moscou. Elle a bénéficié de nombreuses expositions dans des Centres d’art, Frac et Musées. Ses oeuvres figurent dans d’importantes collections privées. Elle a participé aux expositions abordant le renouveau de la peinture figurative en France : Génération 70, Collection 3, d'Après la ruine, La belle peinture est derrière nous.

Diplômée de l’Ecole des Arts Décoratifs - PSL en 1989, en architecture intérieure, Pascale Lion exerce depuis 1993 une activité indépendante dans les domaines de l’architecture intérieure, du design et de la direction artistique. Elle enseigne à l’Ecole des Arts Décoratifs - PSL depuis 2005, après avoir enseigné l’architecture intérieure à l’Académie Charpentier à Paris. Elle développe également des projets de recherche et de transmission autour des matériaux, notamment dans le cadre de sa collaboration avec ConstruirAcier, pour laquelle elle contribue depuis 2007 au programme Culture Acier, destiné aux écoles d’architecture intérieure et de design.
Dans sa pratique professionnelle, elle conçoit et accompagne des projets d’architecture intérieure, de la rénovation de lieux privés à l’aménagement d’espaces professionnels. Son travail de design s’intéresse particulièrement à la maille métallique, qu’elle explore à travers la création de mobiliers, d’objets et de bijoux, notamment avec sa collection oooo, diffusée en France et à l’international. Elle collabore par ailleurs avec différents éditeurs et entreprises, parmi lesquels ENO studio, Agnès b., les Verreries Dumas et Honeywell Safety Products, pour lesquels elle développe des produits, des matières et des dispositifs de communication et d’identité visuelle.
Son parcours articule ainsi architecture intérieure, design, recherche sur les matériaux et direction artistique, avec une attention particulière portée aux relations entre matière, espace et usage.