Enseignant.es

Architecte diplômée de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Paris-Belleville, sa pratique est ancrée dans une approche humaniste, développant des méthodes de conception et de production basées sur les dimensions sensibles de l’espace. Pauline Marchetti est lauréate du prix Europe 40Under40, par le biais duquel le European Centre for Architecture Art Design and Urban Studies distingue les architectes et designers les plus prometteurs de leur génération.

Né de la collaboration de Jacques Ferrier et Pauline Marchetti pour la création du Pavillon Français de l’exposition universelle de Shanghai en 2010, Ferrier Marchetti Studio associe recherche et production pour une société urbaine durable. Depuis, l'agence Ferrier Marchetti Studio à développé un nombre important de projets tant publics que privés, français et internationaux, alliant recherche et architecture.

Pour résister à la fabrique de mondes urbains sans qualités, le laboratoire de recherche et de prospective urbaine Sensual City porte depuis plus de dix ans la vision de la "Ville Sensuelle". La Ville Sensuelle invite à remplacer l’urbanisme de géométrie par un urbanisme d’atmosphères, de matérialités, de contexte et d’identités, en partant du corps et des sens.

Le Studio partage ses recherches à travers les Sensual City Papers, libre contribution au débat pour repenser la ville, édités avec la participation du philosophe Philippe Simay.
Ces publications permettent d’aborder des thèmes essentiels et parfois impensés de la fabrique architecturale et urbaine afin d’imaginer un monde plus appropriable, plus durable, plus sensuel.

Pierre Marquis est architecte et ingénieur au sein du bureau d'études techniques Bollinger + Grohmann à Paris. En association avec architectes, artistes, entreprises de la construction ou de l'industrie, il travaille sur des projets aux échelles et aux programmes variés, au sein d'équipes pluridisciplinaires

Ancien élève de l'Ecole Polytechnique Fédérale de Lausanne en Suisse, Pierre est architecte diplômé d'état de l'Ecole Nationale Supérieure d'Architecture de la Ville et des Territoires sous la  direction de Marc Mimram. Il est également ingénieur en génie civil diplômé de l'Ecole des Ponts ParisTech.

Charlie Aubry est diplômé de l’isdaT (Institut supérieur des arts de Toulouse). Il développe une pratique artistique centrée sur l’électronique, interrogeant le quotidien à travers les relations entre technologie, espace public et participation collective.Son travail prend la forme d’installations sculpturales, sonores et numériques, souvent liées à des enjeux territoriaux, de durabilité et d’engagement social. Parallèlement, il mène des projets musicaux performatifs à partir de machines détournées et d’archives sonores. À partir de 2013, il collabore étroitement avec la compagnie Maguy Marin : reprise de rôle dans Umwelt, compositions sonores pour BiT et DEUX MILLE DIX SEPT, puis musique et scénographie de Ligne de crête en 2018. Son travail a été présenté dans de nombreuses institutions et expositions en France et à l’international, notamment au Palais de Tokyo, au FRAC Occitanie, à la Collection Lambert, au Centre Wallonie-Bruxelles et au FRAC MÉCA. Il a été pensionnaire de la Villa Médicis en 2021-2022 et sera résident à la Villa Kujoyama en 2026.© Charlie 

Né en 1973 à Dijon, Gerald Petit est artiste et professeur de peinture à l’École des Arts Décoratifs - PSL. Reconnu pour son travail de peinture, de photographie autant que pour ses oeuvres « rumorales », son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles en France, aux Etats-Unis ou encore au Japon. Il est représenté par la galerie In Situ - Fabienne Leclerc à Paris, qui vient de lui consacrer une exposition monographique, « AMAREM », faisant suite à « Ni île », qui revisitait 25 ans de travail au Frac Normandie en 2023/2024. La recherche de Gerald Petit consiste à expérimenter les modalités d’apparition, de génération et de fixation des images. Il utilise pour cela plusieurs mediums, tels des outils, et plusieurs catégories de représentation, privilégiant toutefois ces dernières années la peinture…

Site web

La démarche artistique de Kristina Solomoukha inclut une grande variété de projets collaboratifs et curatoriaux. Nourrie d'un intérêt pour l'anthropologie et l'histoire, ses œuvres, qui vont du dessin à l'installation, de la vidéo à la performance, interrogent la dimension politique et sociale des images.

Née en 1971 à Kiev (Ukraine), Kristina Solomoukha a étudié  à l’Institut d’Art Industriel de Kiev. En 1995 elle est diplômée de l’ENSBA de Paris.

Elle a enseigné à la HEAD à Genève, l’ENSA Paris-Malaquais, l’ESAD à Reims et est intervenue dans les écoles d’art, design et  architecture en France et à l’étranger. Actuellement  elle enseigne à l’EESAB site de Rennes et à l’ENSAD à Paris. Pour ses réalisations plastiques elle initie des collaborations avec les artistes, graphistes, curateurs et  architectes. Ses installations, vidéo ou  projets curatoriaux  procèdent de la recherche dans les champs de l’histoire, l’anthropologie et la sociologie.

Récemment le travail de Kristina Solomoukha a été présenté à Vabaduse Galerii (Tallin, Estonie), à Tabakalera (San Sebastian, Espagne), à Closer (Kiev, Ukraine). Et en France aux Laboratoires d’Aubervilliers, à la Nuit Blanche et à la galerie Contexts à Paris, au FID de Marseille, au 116 centre d’art contemporain de Montreuil, ainsi qu’au FRAC Poitou-Charentes.

Sarah Tritz (née en 1980), vit à Paris et travaille à Ivry-sur-Seine, est diplômée de l'ENSBA Lyon (2004). Elle développe depuis une vingtaine d'années une pratique plastique protéiforme mêlant plusieurs types de média, de matériaux et d'économies de moyen. Le dessin est l'outil principal de sa réflexion plastique et conceptuelle, il opère comme une écriture archaïque et minimale. Le trait synthétise des filiations hétérogènes en passant par la copie et la traduction. Elle travaille depuis 2019 par séries : les maisons, les paquebots, les trains, les petits camions, les bustes, les boites, les théâtres, les chats, les costumes, les pulls, les marionnettes... souvent en carton bois peint, en bois ou encore en textile. Elle dessine également du mobilier et collabore régulièrement pour cela avec un artisan ébéniste. Sarah Tritz a exposé dans de nombreuses institutions françaises et étrangères. On a pu voir dernièrement son travail à la Tôlerie (Clermont-Ferrand), au CREDAC (Ivry-sur-Seine), à la Galerie (Noisy-le-Sec), à la Casa Jorn (Albisola), au MAMCO (Genève) au MRAC (Sérignan), au Palais de Tokyo à Paris, à la Fondation d’entreprise Ricard à Paris etc. Ses oeuvres figurent dans les collections du CNAP, du FMAC (ville de Paris), du MRAC Occitanie, du Nouveau Musée de Monaco et dans de nombreux FRAC. Elle a enseigné de 2010 à 2015 à la Villa Arson, de 2015 à 2019 à l'ENSBA Lyon et enseigne à l’École des Arts Décoratifs - PSL depuis 2019.

Site web

Après des études de Lettres Modernes à Toulouse et un travail autour du signe en bande dessinée et de l’OULIPO, Romain Blanc-Tailleur intègre l’EnsAD, et s’y spécialise en cinéma d’animation.

En  parallèle, il se perfectionne au trombone et en composition musicale. Après quelques années comme réalisateur indépendant, Romain devient un membre actif du jeune studio toulousain « La Ménagerie », où il endosse toutes les casquettes : assistant de production, post-producteur,  animateur 2D  et volume assistant réalisateur, scénariste, compositeur de musique... Aujourd’hui  il  écrit  et  réalise des films et des séries d’animation, crée des spectacles autour de l’image animée et compose de la musique pour le cinéma.

François Darrasse, né à Tours en 1960, vit et travaille à Paris. Il débute son parcours par une formation en menuiserie, avant d’intégrer, par intérêt croissant pour les arts plastiques, les Beaux-Arts de Bourges, où il étudie durant deux ans. Sensibilisé très tôt au cinéma par la richesse de la programmation parisienne, il poursuit sa formation à l’École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris, où il se spécialise en cinéma d’animation et en vidéo. À l’issue de ses études, son activité se déploie selon deux axes complémentaires : une pratique artistique personnelle — expositions, installations photographiques, projets liés au voyage — et un travail de technicien de l’animation pour des longs métrages et des séries télévisées, en tant qu’opérateur de prise de vue, photographe et constructeur. L’enseignement occupe par ailleurs une place centrale dans son parcours : il enseigne depuis 1989 à l’école des Gobelins et depuis 1997 à l’ENSAD, ainsi que dans d’autres établissements. En parallèle de son activité pédagogique, François Darrasse contribue à de nombreux projets, intervenant à différents niveaux : conseil, conception, fabrication, tournage, montage, écriture, réalisation, ainsi que recherches théoriques et plastiques.

- Réalisation du film Ruine (co-réalisation avec Mathilde Philippon-Agisnski) 
-  Recherche sur les technique de Berthold Bartosch (participation à l’ouvrage collectif : D’IDÉE À L’IDÉE DE MASEREEL À BARTOSCH : UNE ŒUVRE EN MOUVEMENT, Les éditions de l’oeil)

Sébastien Laudenbach est réalisateur de films d'animation et illustrateur. Il est auteur d'une dizaine de courts métrages et de 3 longs-métrages : La jeune fille sans mains (présenté à Cannes et Prix spécial à Annecy, sort en salle en 2016), Linda veut du poulet ! (co-réalisation avec Chiara Malta, également à Cannes et Annecy) et Cristal (2023). Il remporte plus de 40 prix internationaux dont le César du meilleur long-métrage d’animation et le prix européen du meilleur film Jeune Public. Il conçoit par ailleurs des affiches de films (pour Emmanuel Mouret entre autres) et réalise des génériques et clips (Dominique A, Etienne Daho) et enseigne à l'École des Arts Décoratifs - PSL depuis 2001. Son adaptation de Carmen sortira en salle en 2026.

Serge Verny est enseignant et coordonnateur du secteur Cinéma d'animation à l'École des Arts Déco.
Secteur cinéma d’animation  3e/4e/5e année

-Diplômé en cinéma-animation-vidéo de l’EnsAD
-Diplômé du CFT Gobelins
-Docteur en arts et sciences de l’art de l’Université Paris-I Panthéon-Sorbonne, section cinéma, télévision et audiovisuel.
-Maître de conférences des Universités
-Pensionnaire de l’Académie de France, Villa Médicis à Rome.

Dessinateur, animateur, storyboarder  pour : Antenne 2, Télé Hachette, Canal +, CNRS, Ellipse, Nelvana, Les Cartooneurs Associés, Brizzi Films, Disney France Feature Animation, JPL Films, Creamuse , Prima Linea . Il réalise plusieurs films comme auteur : 1989 : Thulé (1989), Pictographe (1991), Phénomènes (1992), "Over The Emerald World". (film d’animation pour salle dynamique, Hanovre- Projet pour le Regenwaldhaus, exposition universelle, 2000). A partir de 1995, il enseigne à l’EnsAD et depuis 2006, il est coordonnateur du secteur Cinéma d’animation . Il poursuit un travail de recherche sur les formats non standard.

Publications récentes :
« A propos du mythe du cinéma total d’André Bazin », in Philippe Jaulmes, le cinéma hémisphérique, préface de Paul Virilio, éditions AVL Diffusion, 2010.
« La course à l’abîme », in Georges Schwizgebel, peintre et cinéaste d’animation, Patrick Barrès (Dir.), L’Harmattan, collection « Cinémas d’animations », 2012.
« Etude du sensible chez le spectateur dans la réception des dispositifs-écrans », in Le Corps sensible, Steven Bernas(Dir.), L’Harmattan, série :Théories de l’image/Images de la théorie, 2013.
A paraître : Lignes et kinesthésie in Cinéma d’animation et arts plastiques, la question du dessin, Patrick Barrès, Serge Verny (dir.), coédition Ensad/ L’Harmattan.
- Participation au colloque « Archives et acteurs des cinémas d’animation en France »INHA,30-31 ,octobre 2013

François Vogel est un artiste et cinéaste Français. Il est l’auteur de courts métrages, installations vidéos et photographies. Son travail s’articule autour des déformations de l’espace et du temps. Il réinvente notre quotidien qui, distordu par de nouvelles lois de la perspective, prend une dimension inédite, drôle et inquiétante.

Expositions & publications :

Les yeux derrière la tête; exposition au Centre des Arts d'Enghien-les-Bains en 2015. Curiosités Numériques de François Vogel; exposition au musée Joseph Déchelette de Roanne en 2022. Parution : Nouveau traité du Sténopé, éditions Éoliennes.

Site web

Enseignant en design graphique, typographie et design de caractères typographiques, Il intervient dans la spécialisation Design graphique / Multimedia (en 2, 3, 4e années) et au sein d’EnsadLab.

Né en Suisse, il étudie à Zurich chez Hans Rudolf Bosshard, puis à l’ANRT à Paris. En 1995, il fonde son propre atelier avec des projets liés au domaine culturel et institutionnel, des scénographies pour le théâtre et des projets tridimensionnels. Créateur de caractères, il conçoit des caractères sous son label AB Type Foundry (AB Baldinger, AB BDot, AB BLine, AB Eiffel, AB Newut…).
Il est lauréat des bourses du Ministère de la Culture, de la Confédération suisse (Prix fédéral de design) et du Cnap.
Ses créations sont régulièrement primées (TDC New York et Tokyo, les plus beaux livres suisses, 100 meilleures affiches D/CH/A…) et se trouvent dans les collections de la BNF, du Design Museum Zurich/CH et du Toyama Museum of Modern Art/JP.
En 2005, la Banque Nationale Suisse l’invite à participer au concours des nouveaux billets suisses. En 2008 il fonde avec Toan Vu-Huu l’atelier de conception graphique et typographique Baldinger•Vu-Huu. Des identités visuelles (frac-Île-de-France, le DOC, le Centre de création Olivier Debré…), des caractères typographiques (CCCOD, de la nouvelle signalétique du projet Les Halles à Paris…), des livres d’artistes et des projets éditoriaux (John Berger, Michel Blazy, Alain Huck, Marc Johnston, JRP Ringier, Aby Warburg…) et des signalétiques d’exposition (Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg,  Cité de l’architecture et du patrimoine…).
Il a été cofondateur et co-directeur du laboratoire de recherche l’EnsadLab Type à l’EnsAD (2008-2014) et membre du comité scientifique et coorganisateur du colloque « Design graphique, les formes de l’histoire » qui a eu lieu le 27 et 28 novembre 2014 au Centre Georges Pompidou et à l’EnsAD. Il est membre de l’AGI.

Voir aussi 

Conférences et films en ligne
– Thomas Sipp et Baldinger•Vu-Huu, «CCCOD, naissance d’un caractère typographique»
https://vimeo.com/219526918
– Baldinger•Vu-Huu, « Unreleased projects »
https://www.youtube.com/watch?v=Z061iFhKbEI&feature=youtu.be
– Centre Georges Pompidou Parole au graphisme, « Baldinger•Vu-Huu »
https://www.centrepompidou.fr/cpv/ressource.action?param.id=FR_R-dacc77c...

Conférences avec EnsadLab Type
– Colloque “Design graphique, les formes de l’histoire”
http://www.dailymotion.com/video/x2gkk6y
– https://www.atypi.org/conferences/hong-kong-2012/programme/programme/act...
– https://www.atypi.org/conferences/dublin-2010/programme/programme/activi...

Publications liées à EnsadLab Type
– «Horizontal/Vertical», 2009
– Le projet «Sorbonne», The “Sorbonne Project”, 2010
– «Design graphiques, les formes de l’histoire», B42, Cnap, 2017

__________________________________________________________

André Baldinger a également participé à  l’exposition  « Les Suisses de Paris – Graphisme et typographie » au musée du Design de Zurich
En 2017, Au musée du Design de Zurich (Museum für Gestaltung) se tenait l’exposition « Les Suisses de Paris – Graphisme et typographie ». Plusieurs anciens enseignants de l’EnsAD, devenus des figures historiques internationales, y étaient représentés, tels le dessinateur de caractères Adrian Frutiger et le graphiste Jean Widmer à l’origine d’un profond renouveau de l’enseignement du graphisme à l’EnsAD à partir des années 1960. André Baldinger et Ruedi Baur, actuellement enseignants à l'EnsAD y furent également exposés.

Camille Baudelaire enseigne les fondamentaux du design graphique appliqués au livre, à l’espace et la méthodologie de recherche notamment dans l’espace public. Elle enseigne également par intermittence dans les autres secteurs de l’école par le biais de workshops et MRC, ainsi qu’en première année. Camille Baudelaire est diplômée de l’école Estienne, de l’ESAA Duperré et de l’EnsAD Lab, et fondatrice et directrice de création de l’atelier Baudelaire, qui œuvre depuis 10 ans à l’intersection de la recherche, du design graphique et du design d’espace. Très investit dans la cause féministe intersectionnelle, l’Atelier Baudelaire porte aussi la collective @feminisme.en.forme.s. Les travaux de l’Atelier Baudelaire sont intégrés aux collections du MAD, du CNDG, de la fondation Luciano Benetton Imago Mundi, et sont régulièrement publiés dans des ouvrages et exposés dans des institutions.

Instagram

Né à Grenoble en 1980, Vadim Bernard a étudié le design graphique et le multimédia aux Beaux-Arts de Valence puis à l’EnsAD où, après son diplôme, il a intégré le post-diplôme ARI, atelier de recherche interactive.

Dès 2001 il rejoint le collectif Incident et collabore avec des artistes et des studios de design graphique sur des projets de dispositifs interactifs ou de design de mouvement.
Il expose ses recherches interactives en ligne ou dans le cadre d’événements de 2003 à 2009.
En 2003 il reçoit le prix SCAM de l’œuvre d’art numérique interactive pour incident.net.
En 2007 il co-fonde Dépli design studio avec Aurélie Gasche et Benjamin Gomez. Ensemble ils créent les identités visuelles du MAC/VAL, du Fresnoy - Studio national des arts contemporains, et au sein du groupement Insight, participent au projet signalétique et multimédia du Louvre Abu Dhabi.
Ils conçoivent entre autres les sites internet d’Europan France, du Magasin - CNAC, des Ateliers Jean Nouvel, les signalétiques dynamiques de la Cinémathèque Française, de Sciences Po et du centre culturel Lokremise à Saint-Gall (Suisse).
Ils collaborent également avec des scénographes et muséographes sur des projets de graphisme d’exposition et de production de contenus audiovisuels et interactifs de médiation comme pour le Musée du théâtre d’ombres à Chengdu (Chine), l’Institut du Monde arabe, le Grand Palais, le Musée d’Orsay, Hong Kong Heritage Museum, le Musée de Polytechnique, les Musées de Strasbourg, ou le Musée de l’air et de l’espace.

Site web

Françoise Courbis est diplômée de l’Ecole des Arts Décoratifs, en communication visuelle. Elle est graphiste indépendante depuis 1985, et conçoit et réalisé des éditions, livres et catalogues auprès d’acteurs divers tels que les lieux de théâtre, artistes-musiciens, danseurs, architectes… Françoise Courbis est professeure à l’Ecole des Arts Décoratifs depuis 1990 et interviens également à École nationale supérieure de création industrielle.

Enseignante es design graphique, elle intervient dans le secteur Design Graphique (en 4e et 5e année), dans le parcours interdisciplinaire Muséodesign et en première année.

Marie Gaspar a étudié le design graphique à Londres, au Central Saint Martins College of Art and Design (BA Graphic Design, 1999) et au Royal College of Art (MA Communication Art and Design, 2001). En 2002, Marie fonde à Paris, avec Éric Gaspar, l’atelier de design graphique ÉricandMarie. Il et elle ont travaillé avec Ronan et Erwan Bouroullec, l’Institut français, le ministère de la Culture et de la Communication, la villa Noailles à Hyères, le ministère de l’Emploi et des Affaires Sociales néerlandais, le musée Solomon R. Guggenheim (New York), le Centre Pompidou-Metz, le ministère des Affaires Étrangères et Européennes, l’atelier Sophie Krier, Vitra (Weil am Rhein), le Mémorial de la Shoah (Paris et Drancy), la Maison Rachi (Troyes), Cultures France, le musée des Arts décoratifs, les Éditions HYX, le studio Makkink & Bey, Brynjar Sigurdarson, le Zeeuws Museum (Middelburg, Pays-Bas), les Éditions du Chêne, le musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg, le Musée de Montmartre, Rmn-Grand Palais, le Musée Soulages, Miguel Chevalier, le Forum des images, la Bibliothèque Interuniversitaire de la Sorbonne, Bernard Chauveau Édition, la Fondation Giacometti, le musée de la Résistance nationale, La Piscine-Musée d’art et d’industrie André Diligent de Roubaix, les Éditions 7L.

Roxane Jubert est enseignante-chercheuse, graphiste et typographe. Elle enseigne à l’École des Arts Décoratifs - PSL, et intervient ponctuellement à Sorbonne Université. Ses écrits, publiés en France et à l’étranger, sont consacrés à l’histoire et à la culture du graphisme, de la typographie et de la lettre – en lien avec les pratiques artistiques, et par ailleurs dans une perspective transhistorique ouverte à des questionnements contemporains. Principal ouvrage : Graphisme Typographie Histoire / Typography and Graphic Design, From Antiquity to the Present (éditions Flammarion). Membre du Centre d'étude de l'écriture et de l’image (CEEI). Elle a effectué un double parcours, scolaire et universitaire, consacré à la création et à la recherche. Apprentissage pratique : École Estienne, ENSAD (communication visuelle), Atelier National de Création Typographique (dessin de caractère). Universités : Paris 4 (doctorat d’Histoire de l’Art), Paris 1 (master Esthétique et Sciences de l’art) et Paris 3. Elle enseigne le graphisme et la typographie à l’École des Arts Décoratifs - PSL dans les secteurs Design graphique et Design textile et matière (et précédemment dans le secteur Design objet et en première année).

Publications :
Graphisme, Typographie, Histoire, éditions Flammarion – également publié en anglais sous le titre Typography and Graphic Design. From Antiquity to the Present.
« Le graphisme au prisme du monde à venir » / « Graphic Design Through the Lens of the World to Come », in Graphisme en France 2025, « Futur souhaitable », Ministère de la Culture / Centre national des arts plastiques, Paris, 2025 (également publié en ligne).

Benoît Montigné est concepteur multimédia pour des institutions culturelles, parmi elles le Théâtre national de la Colline, l’Ircam-Centre Pompidou ou la Gaîté Lyrique.

Il enseigne le multimédia à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs depuis 2005 et est intervenu dans différentes écoles telles que Paris 8, l’ENSCI, Sciences Po ou l’ECV. Il est doctorant en esthétique, sciences et technologie des arts au sein du laboratoire TEAMeD / AI-AC de l'Université de Paris 8, il y mène une activité de recherche et de création axée sur l'étude des relations interactivité / image / son. Il a fondé dans ce contexte le site Sonore Visuel, dédié à l’actualité et à l’histoire des arts audiovisuels. Il est également depuis 2015 chargé de cours magistral en arts sonores à l'Université Sorbonne Nouvelle - Paris 3.

Voir aussi 

https://www.sonore-visuel.fr

Enseignant en Design Objet.

Jacques Averna est designer d’objet à la pratique plurielle : il associe formes et couleurs marquées à des usages et procédés de fabrication intégrant les enjeux socio-écologiques contemporains. Diplômé de l’ENSCI–Les Ateliers, il a reçu le Grand Prix de la Design Parade à la Villa Noailles en 2021. En duo avec Cécile Canel, il a développé la gamme d’enseignes mécaniques « Vire-Volt », activées par le vent, pensée comme alternative aux enseignes lumineuses classiques. Plus récemment, il a contribué à la refonte de l’enseigne « Presse », redessinée dans une version durable en tôle d’aluminium ajourée, sans PVC, dans une volonté d’intégrer patrimoine visuel et responsabilité environnementale . Ses pièces sont conservées ou exposées dans divers musées, en France et à l’international.

Lauréat de la Design Parade de la Villa Noailles en 2021
Résident du CIRVA en 2022
Lauréat de la commande « créer un vase » du cnap en 2023
Concepteur de la nouvelle enseigne des bureaux de presse
Exposition collective au musée d’art contemporain de Saint Etienne, au centre Pompidou
Au catalogue du Mobilier National
Résident des Ateliers de Paris 2022-2023

Formation :

• 1978 / 1979 apprentissage du dessin à l’école boule à Paris
• 1979 / 1982 CAP de sérigraphie et CAP de dessin publicitaire au lycée Corvisart Paris
• 1982 / 1983 atelier préparatoire Lecomte à Paris
• 1983 / 1986 diplômé de l’ENSAAMA (Olivier de Serre) section architecture intérieure
• 1986 / 1987 spécialisation en section mobilier à l’ENSAD.

Références :

• 1988 / 1993 En 1988, travail en indépendant, création de ZEUGMA (design intérieur, design objet, prototype).

Enseignant technique à l’EnsAD (école des Arts Décoratifs de Paris) en section mobilier.
Clients principaux : Galerie « Via » à Paris, « En attendant les Barbares », « Artistes et Modèles Edition », mobilier du bar « le Forum » à Paris La Madeleine, cup à cocktail pour Campari, mise en volume du logo M6, tables en résine boutique ELLE, produit de plage Phas pour Loréal, prototypes pour Starck : vase Royalton, lampe Sisi, tabouret Bubu 1er…, maison ossature bois, agrandissement de maison, stand pour le Figaro magasine.

• 1993 / 1998 En 1993 création de « des choses et d’autres » sarl.

Enseignant à l’EnsAD, intervention au lycée de Péronne, à l’IAV d’Orléans, aux Arts Déco de Limoges.
Design et fabrication de luminaires, veilleuses, vases et objets de décoration, présent sur les salons professionnels : Maison et Objet / Now design à vivre et salon du meuble / le Phare.
Clients principaux : Fauchon, The Conran Shop, Le printemps, Les Galeries Lafayette, Face à Face, Trophées Dico d’Or de B. Pivot, Yves Saint Laurent…

• 1998 / 2003 En 1998 déménagement de l’entreprise à La Rochelle.

Création d’une collection de présentoirs à lunette destinés aux opticiens et présent sur le salon de l’optique le Silmo à Paris.
Enseignant à L’EnsAD, intervention à l’Académie Charpentier de Paris, chambre de commerce de La Rochelle. Clients principaux : Lunettes Y. Cogan et F. Beausoleil, Rip Curl, Billabong, Thierry Mugler, Van Cleef, Moma de New York, Club Med, Cartier, Bacarrat …

• 2003 / 2005 En 2003 construction de nouveaux locaux adaptés à l’entreprise, déménagement en juillet 2004. Novembre 2004 destruction totale de l’entreprise par un incendie accidentel. En 2005 réorganisation de l’entreprise, maintien de la conception d’objet/espace à La Rochelle.

A l’EnsAD, fusion de la section mobilier et design, enseignant en 2ième année pour un cours intitulé : « couleur matière lumière » et suivi des projets pour la 3ème, 4ème et 5ème années.

• 2006 / 2010 En 2006 nominé au Silmo d’or dans la catégorie environnement produit.

Enseignant à l’école PIVAUT à Nantes (2006 / 2011), en 2ième et 3ième année design d’espace.
Clients principaux : Charles Jourdan, Optique 2000, meuble Ch. Pillet, champagne Ruinart, projet d’aménagement privé, champagne Perrier-Jouet, Féau Paris, Issey Miyaké, Trophées divers, mur peint, sculpture pour le SDIS 17, mobilier et luminaire en méthacrylate…

• 2010 / 2014 En 2010 nouveaux locaux pour « des choses et d’autres ».

Travaux de réalisation d’oeuvres pour Philippe Daney Factory, sculptures en collaboration avec François Canté Pacos, commande de Grégoire Solotareff pour L’Abbaye de Fontevraud ….
Clients principaux : Adhoc Design, Malherbes Design, chaussures Roger Vivier, support à bijoux Dinh Van, collection de miroir pour Plastim, grip pour X Composites arc de compétition ……

Designer et chercheur, l'enseignement de Martin De Bie gravite autour des cultures et pratiques numériques en lien avec ses recherches personnelles. Celles-ci se focalisent sur l’hybridation entre savoir-faire artisanal et nouvelles technologies avec l’ambition d’esquisser des scénarios plus résilients pour les objets technologiques de notre quotidien, en résonance avec les enjeux environnementaux actuels. Il est également le co-fondateur de DataPaulette, collectif explorant les interconnections potentielles entre pratiques textiles et procédés numériques. Concentré spécifiquement sur le process, Il attache une attention particulière à la documentation de son travail et à la porosité entre celui-ci et son enseignement, évoluant et se nourrissant mutuellement.

Formation et titres universitaires

Diplômée de l’ENSCI les ateliers / Ecole Nationale Supérieure de design Industriel

Florence Doléac est née en 1968 à Toulouse. Elle est diplômée de l’ENSCI / Les Ateliers en 1994 ; elle co-fonde en 1997 la société du groupe RADI DESIGNERS avec Laurent Massaloux, Robert Stadler et Olivier Sidet ; c’est une collaboration intense et fructueuse.
Depuis 2003, Florence Doléac poursuit ses projets seule. Tout en enseignant à l’ECAL-Ecole cantonale d’Art de Lausanne, de 2000 à 2009 puis à l’Ecole de Arts déco de Paris depuis 2006, elle répond à des commandes et produit des expositions en galeries et dans des centres d’art ; elle est représentée par les galeries Aline Vidal de 2002 à 2008, Toolsgalerie de 2004 à 2007 et Jousse-Entreprise depuis 2006, et expose à la Locksgallery à Philadelphie depuis septembre 2012.
C’est justement dans cet espace interstitiel dans lequel le design dialogue avec l’art et où ses modalités de présentation et de production oscillent entre un dispositif marchand et institutionnel que Florence Doléac inscrit son travail. La revendication de cette position peu commune lui confère une identité particulière. En effet, non seulement Florence Doléac met en jeu une tension entre la production et l’exposition, avec des réponses pleines d’humour et de poésie, mais elle déploie en plus un questionnement sur la fonction et son pendant : l’inutilité.

Exposition Solo
2003
/ DIVAGATIONS, Villa Noailles, Hyères / 2004
/ FLOGISTIQUE, Galerie Aline Vidal, Paris, avec l’Aide à la Première Exposition de la D.A.P., Ministère de la Culture  / EXPOSITION, ToolsGalerie, Paris / VAGUE À L’ÂME, tapis réalisé en Iran, Parsua, Paris
2006
/ TAC TIC, MUDAC, Lausanne / EXPOSITION, dans la boutique OWN, Bruxelles
2007
/ INTÉRIEUR POUR ANIMAL À DEUX PATTES, Galerie Philippe Jousse, Paris
FLOATING MINDS & STATIC DANCING, de Stephane Daflon, Frac Aquitaine, Bordeaux
2008 /
ONCE UPON A TIME, poignée de porte, Galerie des multiples, Paris / VA CHERCHER ! Biennale de Liège, Musée de zoologie, Liège / 2009
/ BALLOOON, salon de lecture d’haiku, dans la nouvelle boutique d’Issey Miyake, Paris
/ GARBAGE SALOON, exposition hommage à Michel Houellebecq, à la galerie Jousse-entreprise à l'occasion de la sortie de l'ouvrage d'Esther Henwood, Design & Littérature, aux éditions Norma, Paris / 2010
/ ADADA, CIAC, Pont aven / 2011
/ POM POM DUST, galerie Jousse-entreprise, Paris
NOYEUX JOËL, Micro-onde, Vélizy-Villacoublay / 2012 / THE WAY THINGS ARE, invitée avec Ula von Brandenburg & Virgil Marti, Locks gallery, Philadelphia

CATALOGUES
TAC TIC, Florence Doléac/mudac/Birkauser & mudac/infolio
designer&design/ Florence Doléac/PYRAMYD

COLLECTION PUBLIQUE
2003 
FMAC, FOND MUNICIPAL D’ART CONTEMPORAIN, acquisition de « Passages » et « La chaise mise à nu », Paris / 2004 / ARTHOTHÈQUE DE CAEN, acquisition de « Piétinoire », Caen / 2008
/ FRAC Iles de France, acquisition de « Professeur Tournesol », Paris / FNAC, FOND NATIONAL D’ART CONTEMPORAIN, acquisition de « Polybulb », « Piétinoire », « Table-valise » / 2009
/ FNAC, FOND NATIONAL D’ART CONTEMPORAIN, acquisition de « Naufragés sur lit de moquette » / FRAC AQUITAINE, Floating minds, co-produit avec la galerie Jousse-entreprise et Buyself / 2011 / FNAC, « Peau d’housse II », réalisée avec Gaspard Yurkievich

BOURSES
2001 
AFAA, Villa Kujoyama, pour le développement du revêtement de sol « Stimulisol », Kyoto / 2003 / 
AIDE A LA PREMIERE EXPOSITION, DAP, avec la galerie Aline Vidal, Paris
/ 2005
 / CRITT CHIMIE, Centre régional d’innovation et de transfert de technologie pour le projet « Poignée molle » / 2006
/AGORA, bourse du Ministère de la culture et de la communication, pour un projet de recherche « Le corps aborbé », Paris / 2007
APPEL SPECIFIQUE DU VIA, pour « Automomie à domicile », pour le projet Stimulisol.

PRIX
2006 
LES GLOBES DE CRISTAL, lauréate du prix de la presse et la culture, Paris

CLIENTS
La Villa noaïlles, Issey Miyake, Vilac, le Musée des Arts Décoratifs, La Maison de la vache qui rit, Van Cleef & Arpels, Häagen-Dazs, Zoo Galerie, Mumo/ Ingrid Brochard, Baby disco…

Ingénieur de l’École des Arts & Métiers, Alexandre Fougea crée en 2003, alors encore étudiant, la marque Akonite. Il conçoit alors des skis en matériaux composites pour les compétiteurs internationaux. En parallèle, Alexandre Fougea travaille pour des entreprises dans le domaine de l’aéronautique et du nautisme.

En 2008, Alexandre décide avec sa société de se consacrer à part entière au développement de nouveaux produits. Parmi ses clients, on compte Balenciaga, Louis Vuitton, Bell&Ross, Jean-Paul Gauthier, Courrèges, Les Galeries Lafayette, Patrick Jouin, Mathieu Lehanneur, Le Plaza Athénée, EDF, Citelum, Véolia, Dassault…

Depuis 2009, Alexandre Fougea enseigne le design objet à l’EnsAD.
En 2013, Alexandre Fougea développe et commercialise sous sa marque Akonite une série limitée de 12 skis de neige éco-conçus cosignés avec l’artiste plasticien Xavier Veilhan.

Animé par une vision composite de la matière et du projet, Alexandre, aujourd’hui ingénieur-designer, mêle intimement design et ingénierie dans l’ensemble de ses travaux. Son studio de design et de conception est installé à Paris.

BAC A3 arts plastiques
EnsAD, diplôme secteur mobilier
EnsAD, post diplôme, mobilier

Enseignant & coordinateur design objet
Institut d’Arts Visuels, Orléans de 2004 à 2009.

Enseignant en design et morphostructure
École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, Paris depuis 2006.

Salarié de l’agence O’design -2002- 2002 (dossiers traités : Minelli, graphisme, T-Mugler graphisme et mobilier, Maison et objet signalétique, aéroport de paris architecture intérieure...)

Design : « De terre et d’eau», céramiques, moyenne série.

Design, mobilier pour Procédé Chenel Internationnal.

Publication «Guide de l’improvisation Jazz à la batterie », graphisme et co-signature avec  Bertrand Renaudin , projet en cours d’édition.

Design : « Drôles d’objets domestiques » , bestiaire typologiques,  projet de recherche.

Design Produit d’éclairage, Martinelli luce.

Roman graphique,«Nous aurions pu être», pojet en cours.

Design global, identité boutique pour Lise Charmel Internationnal.

Signalétique et mobilier, Chateau de Tacy, Monuments Nationnaux.

Design , tapis 4 seasons , Chevalier édition.

Micro-architecture commerciale, Photopointcom/Les Vedettes de Paris.

Expositions : Maison et Objet, Salon du meuble, Paris, Milan
galerie Luc Queyrel, Gallerie lafayette, Lazer.

Designer-chercheuse et enseignante à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris-PSL, Sophie Larger développe depuis une dizaine d’années une recherche-création à l’intersection du design, du soin, et des sciences humaines. Ses recherches interrogent les conditions sensibles d’un “habiter-soigner” à travers la conception de dispositifs d’apaisement et d’enveloppement en milieu psychiatrique. Ancrée dans une démarche transdisciplinaire mobilisant design, phénoménologie, psychanalyse et pratiques soignantes, elle s’intéresse aux potentialités relationnelles des objets et aux espaces transitionnels comme lieux de transformation. Sa posture articule théorie et engagement de terrain à travers des projets menés avec des établissements hospitaliers (EPS Ville-Evrard, GHU Paris, CH Valvert…), en collaboration étroite avec patients, soignants et chercheurs. Elle co-dirige également la Chaire Vulnérabilités et Capabilités (VULCA), lieu de production de savoirs situés et d’expérimentations partagées entre design, philosophie, psychiatrie et art. Elle est l’autrice de plusieurs articles scientifiques et contributions dans des ouvrages collectifs, et intervient régulièrement dans des colloques et événements internationaux autour des enjeux du design en santé.

Revue française des affaires sociales (RFAS) — « Ce que l’art et la culture font aux organisations de santé : dialogue fertile et expériences troublantes », n°2/2024 (avec Lucile Carlier). Presses universitaires de Lyon (PUL) — « Senior Mobile, espace de réappropriation par la danse », in Art et design dans les lieux de soin, dir. Carine Delanoë-Vieux, 2024 (avec Vincent Lacoste). LINKs-Séries 9-10 — « Nouvelles approches d’une esthétique de la complexité. Ré-confort : design et esthétique de l’apaisement en milieu psychiatrique », 2024. La Revue du Praticien — « Chaire VULCA, transdisciplinarité au service des patients », Tome 75, n°3, mars 2025 (avec Lisa Friedlander et Charlotte Jacquemot).

Diplômée de l'ENSAAMA et des Arts Décoratifs, en design textile, Lauriane Beaunier a tout d’abord travaillé dans l’industrie automobile puis dans le domaine de l’équipement de sport en tant que designer textile, couleur et matière.
Elle enseigne à l’École des arts décoratifs depuis 2013 tout en s'investissant dans différents projets dans le cadre de son studio de création, Excla.

Elle a développé une capacité d'écoute et d'analyse qui nourrissent une approche transversale et décloisonnée du design, via la couleur, la matière et le graphisme.
Elle impulse ainsi les projets en construisant leurs directions artistiques et en répondant aux problématiques variées qui lui sont proposées.

Cela l'amène à évoluer dans différents domaines, à différentes échelles, pour des clients français et internationaux : de l’objet au textile, de l’accessoire de mode aux matériaux décoratifs, l'espace et l’architecture d’intérieur, le territoire… C'est ainsi que l'étagère Pace qu'elle a dessiné avec le designer Aurélien Veyrat est rentrée dans les collections du Mobilier National en 2021 alors qu'elle était en train de concevoir avec lui 1000 m2 de bureaux pour Lille Grand Palais.

Depuis, elle a été soutenue par le Ministère de la Culture dans le cadre de l'appel à projet Mondes Nouveaux, pour son projet Nuances littorales.
Avec 4 anciens diplômés du secteur design textile et matière, elle a cherché à mettre en valeur le patrimoine naturel et architectural par le prisme de la couleur et la matière. Un projet qui se développe depuis...

Formé à l’École des Arts Décoratifs de Paris en design textile et matière Clément Bottier centre des recherches autour du vivant. Depuis son diplôme en 2014, il travaille en synergie avec des industriels français et des maisons de savoir-faire pour intégrer les matières colorantes naturelles organiques dans le paysage textile français. Il déploie également ses pratiques en formant des étudiants et professionnels du design (Ensci, Duperré, Ensatt, Ensaama, …). Depuis 2025 il enseigne l’impression aux L’École des Arts Décoratifs - PSL.

Afin de lier le passé et l’avenir de ces travaux, il collabore avec des conservateurs et chercheurs afin de recenser les sources manuscrites techniques de l’histoire des colorants naturels.

- Design Week de Mexico, 2026
- Les Nouveaux Ensembliers, Mobilier National 2025
- Salon du Mobilier, Milan 2024

Suite à une formation en Lettres et en Design Textile et Matière à l'École des Arts Décoratifs - PSL, Justine Décarsin a travaillé en qualité de Designer Print pour différentes maisons de luxe françaises (Maison Margiela, Hermès, Louis Vuitton...) avant de rejoindre l'équipe pédagogique de l''École des Arts Décoratifs - PSL. Elle est aujourd'hui enseignante en dessin textile pour les deux cycles Licence et master tout en continuant à dessiner les accessoires en soie pour Louis Vuitton.

Site web

Aurélie Mosse, PhD, est une designer-chercheuse, professeure et consultante travaillant à l’intersection du design textile, de l’architecture et des nouvelles technologies.

Co-responsable du groupe de recherche Soft Matters à l'École des Arts Décoratifs-PSL depuis 2015, sa recherche explore comment matériaux actifs, vivants, induits par des bactéries, peuvent informer des perspectives d'habitation du monde plus poétiques et résilientes. Elle dirige ImpressioVivo (2021-26), 1er projet JCJC financé par l’Agence Nationale de la Recherche dans une école d’art, qui explore l’impression 3D de matériaux biosourcés et co-fabriqués avec des bactéries dans une optique de design circulaire. Bénéficiaire du réseau doctoral MSCA SOFTWEAR (2022-2026) dédié aux actionneurs souples et leur intégration dans le textile, elle est également membre du comité de pilotage du groupe d'intérêt spécial « Interdisciplinary Textiles Research » de la Design Research Society , et mène par ailleurs une réflexion sur les enjeux de transmissions transgénérationnelles, comme en témoigne son livre "L’accent fantôme et autres impressions séfarades" (2023).

Publications : 

• Buard, M., Mallet, C., Mosse, A. (eds), 2024, La mode comme indiscipline, Montreuil: B42.
• Mosse, A., 2023, L'accent fantôme et autres impressions séfarades, Paris: Presses Universitaires de Vincennes.
• Mosse, A., Rennie, V., Poudoulec, Q., Suárez Zamora, D., 2024, Paper waste grown as a biocalcified foam: perspectives from a bacterial and design viewpoint, Research Directions: Biotechnology Design, Cambridge University Press, pp. 1–24. doi: 10.1017/btd.2023.11.
• Mosse, A., Bassereau, J.F., 2019, 'Soft Matters: en quête d'un design textile et matière plus résilient', Sciences du Design, n°9 Développement durable (Mai 2019), Paris: Presses Universitaires de France
• Mosse, A., 2018, Gossamer Timescapes: a design-led investigation into electro-active and light-responsive textiles for the home, Smart materials and Structures, vol.27, n°7, DOI: 10.1088/1361-665X/aac537.

Enseignante.

Orsina Visconti est une créatrice de couleurs, de textiles et de matières, née en Italie et basée à Paris. Elle est diplômée en design textile de l’École des Arts Décoratifs de Paris et en histoire de l’art de l’université Ca’ Foscari de Venise. Depuis 1998, elle enseigne à l’École des Arts Décoratifs de Paris, au sein du département Design textile et matière, spécialisation tissage et tissage Jacquard. Elle a également enseigné à l’université Paris-Est Marne-la-Vallée, dans le cadre du master AIGEME, où elle a assuré des cours d’initiation à l’art visuel en e-learning. Son parcours professionnel s’est développé comme designer textile pour l’industrie, collaborant avec des tisseurs, imprimeurs et ennoblisseurs (notamment Boussac, DMC, Belinac, SNC Textile, Tchaikowski), et concevant des collections pour l’habillement. De 2008 à 2017, elle a été responsable du design CFM (Color, Material, Finish) au sein du groupe Mäder, dans les secteurs de l’automobile, du transport et de l’électroménager.

Depuis 2017, son travail personnel se concentre sur la création de céramiques, développant des pièces uniques à la frontière entre objet utilitaire et objet d’art.

Romain Blot est designer spécialisé dans la chaussure, les accessoires, la joaillerie et l’horlogerie. Diplômé de l’ENSAD et de l’École Duperré, il a complété sa formation à Milan dans le design de haute joaillerie et d’horlogerie. Depuis plus de dix ans, il conçoit des collections, développe des prototypes et encadre des démarches d’innovation dans l’univers du luxe. Il collabore également avec des maisons, des institutions et des artistes sur des projets de performance liée au vêtement, mêlant recherche esthétique et réflexion sur le geste. En parallèle, il enseigne le design d’accessoires et de chaussures à l’ENSAD, où il accompagne les étudiants dans la conception et la réalisation de leurs collections. Son travail se caractérise par une approche exigeante et pragmatique, nourrie par une connaissance approfondie des savoir-faire.

https://fr.fashionnetwork.com/news/-leather-accessory-prize-trois-stylistes-de-l-ensad-recompenses,463444.html
Workshop point d'embranchement Chaire ecodesign & création
https://www.festival-automne.com/fr/edition-2022/olivier-saillard-et-tilda-swinton-embodying-pasolini
https://www.grandpalais.fr/fr/programme/moda-povera-v-les-vetements-de-renee

Expositions (selection):
Musee d'Art Moderne, Ville de Paris
Centre Pompidou, Paris
School Of the Arts Institute of Chicago
Institut français de Naples
The Blue Star, San Antonio
Lab Gallery New York
The Taubman Museum Virginia USA

Formation:
Ecole Normale Supérieure,Cachan
Masters Of Fine Arts Yale University USA
Institut des Hautes Etudes en Arts Plastiques, Paris
DEA, Arts Plastiques Paris 1

Gilles Rosier est enseignant et coordonnateur du secteur Design Vêtement à l'École.

Géraldine est Designer vêtement avec une expérience de près de dix ans, à la croisée de plusieurs métiers, dans le secteur de l'habillement du Luxe et haut de gamme. Sa vision et ses valeurs la conduisent à valoriser l'innovation textile et la transformation positive du secteur.

A publié une trentaine d'ouvrages à ce jour dont :
- Tout un monde, avec Antonin louchard, Editions Thierry Magnier, 1999.
- Tout un Louvre, avec Antonin Louchard, Editions Thierry Magnier / Musée du Louvre, octobre 2005.
- Dictionnaire fou du corps, Editions Thierry Magnier,2012.

Depuis 1990 création de l'atelier de création graphique "jour ouvrable"

Design graphique et communication visuelle, affiche et campagne  de communication, logotype, typographie, et édition pour des institutions et grandes entreprises - (Ministère de la culture et de la communication, Musée national Jean-Jacques Henner, Groupe BNP Paribas, CCIP, groupe ESCP-EAP, HEC, Première Vision, Ville de Nantes…)

1990 - diplômé AII (atelier d'images informatiques)

diplômé EnsAD 1989 - Graphisme

Enseignante en gravure.

Formé à Dublin, sa ville natale, Mathew Staunton a étudié l’histoire de l’illustration et obtenu sa qualification d’enseignant. Il a ensuite poursuivi un master et un doctorat à Paris, consacrés à la presse nationaliste irlandaise et à la typographie gaélique. En 2012, il fonde The Onslaught Press à Oxford, une maison d’édition indépendante spécialisée dans la poésie et la langue irlandaise. Elle a publié plusieurs ouvrages primés et s’est récemment associée à Evertype Publishing pour élargir son catalogue. Depuis plus de dix ans, Mathew Staunton développe une pratique artistique et historiographique autour des représentations de la maltraitance infantile. Il est membre du comité de rédaction de la revue universitaire Études Irlandaises, de la Société Française d’Études Irlandaises (SOFEIR), de l’unité de recherche PRISMES à l’Université Sorbonne Nouvelle, ainsi que du Shame Network, un projet interdisciplinaire sur les politiques culturelles de la honte. Il mène également une pratique soutenue de la gravure, principalement en linogravure et en gravure sur bois. Cette pratique, ancrée dans une démarche de recherche, accompagne et prolonge ses travaux théoriques.

Photographe. Auteur de plusieurs livres, dont Tavastia, Eden ou Les Passagers, chez Le Point du Jour et La Montagne aux éditions Loco.

Ses images figurent dans diverses collections publiques et sont régulièrement montrées en France et à l'étranger : 779 (Paris), Musée d'Art Contemporain (Lyon), Centre photographique de Clermont-Ferrand, Centre Régional de Cherbourg-Octeville, Photographers' Gallery (Londres), Finnish Museum of Photography (Helsinki), Boxgalerie (Bruxelles), Musée de la photographie (Anvers), Bloo Gallery (Rome), Centre de la photographie (Genève), Fremantle Arts Centre (Australie)…

ormation et titres universitaires

- DEA - Nouvelles technologies de l’information, IMAC, Paris II (1997)
- DNSEP - Art, Villa Arson, Nice (1995)
- BAC - Sciences de la nature, Cannes (1989)

Représenté par :
Galerie Air de Paris, Paris (France)
Team Gallery, New York (USA).

Collections en France :
FRAC, Fonds Régional d'Art Contemporain, Alsace, France |22|
FNAC, Fonds National d'Art Contemporain, Puteaux, France |9|17|23|
FRAC, Fonds Régional d'Art Contemporain, Poitou-Charentes, France
FRAC, Fonds Régional d'Art Contemporain, PACA, France |X|
NMNM, Principauté de Monaco |23|29|

Collections Internationales :
MoMA, Museum of Modern Arts, New York, USA |X|
Sammlung Goetz, Munich, Allemagne |17|
Bambi Foundation, Tel Aviv, Israël |22|

Bourses :
Fonds d'incitation à la création, FIACRE (DAP), 1997, France
Fonds d'incitation à la création, FIACRE (DAP), 2003, France
CNC - dispositif pour la Création Artistique Multimédia (DICRéAM), Maquette, 2005, France
CNC - dispositif pour la Création Artistique Multimédia (DICRéAM), Production, 2006, France
Culturesfrance / hors les murs, 2008, Los Angeles (3 mois), CA, USA

Monographie :
Brice Dellsperger - Body Double / Marie Canet - Posture et talons hauts, Toastink Press, les presses du réel (Fr), 2011
Brice Dellsperger - Body Double / Marie Canet - Posture and High Heels, Toastink Press, Sternberg Press (Eng), 2011

Expositions personnelles :
2014
The Complete Body Double, Team Gallery, New York, USA
2013
Bons baisers d’Hollywood, Air de Paris, France |26|27|28|29|30|
Like Mirror, avec Natacha Lesueur, Transpalette, Bourges, France (cur. D. Sausset)
2012
Art Unlimited (Air de Paris/Team Gallery), Bâle, Suisse |27|
2011
Brice Dellsperger & Jean-Luc Verna, FRAC Alsace, Sélestat, France (cur. O. Grasser) |22|23|26|
Brice Dellsperger / Jean-Luc Verna, Sala Verónica, La Conservera, Murcia, Espagne (cur. Pablo Del Val) |9|15|22|27|
Refreshing Fassbinder... And Kubrick... , Team Gallery, New York, USA |22|23|27|
2010
More Body Doubles, Air de Paris, Paris, France |22|23|
2009
Body Double, Kunstbunker, Nürnberg, Allemagne |14|17|18|19/20|21|23|X| 2007
Ikiz Beden, Akbank Art Center, Istanbul, Turquie (cur. A. Akay) |4|5|8|9|10|13|15|19/20|FT|
2006
Body Double, Air de Paris, Paris, France |21|
2004
Body Double 18, Team Gallery, New York, USA |18|
Video Works, Sketch, Londres, UK (cur. A. Pollazon) |13|17|16|
2003
Gallery Lisa Ruyter, Vienne, Autriche |16|17|
Air de Paris, Paris, France |16|18|
Obsession, Le Studio, Galerie Yvon Lambert, Paris, France |2|10|
Anderson Gallery, Des Moines, Iowa, USA (cur. Cira Pascual Marquina) |15| Midway, St. Paul (avec Jean-Luc Verna), USA (cur. John Rasmussen) |17|X|

Articles (sélection) :

Lise Guéhenneux, Brice Dellsperger et Natacha Lesueur, in Labellerevue.org, chronique du mois, mai 2013
Leslie Riggs, Ateşli Mahluklar: Üçüncü Cins, in GençSanat, N°200, 12/2011, pp. 27-33
Mickaël Pierson, Body Double : aux frontières du réel, in Chimères "Devenir hybride", N°75, automne 2011
Annika von Taube : XX-XY, in sleek, autumn 2011, p. 97, p. 222
Sergio Rubira, El sujeto que actúa, in EXIT Express, N°59, junio-julio 2011, pp. 52-53
Valérie Paille, Megalo Art - Me, myself and I!, in Tracks, Arte TV, mardi 08 mars 2011
Elisabeth Kley, Multiplicity of masks, in www.artnet.com, 04.02.11
Ihana Gabriel, Un parcours artistique tape à l’œil et à l’oreille, in 20minutes, 1er octobre 2010
Alain Berland et Valérie Da Costa, Trans-Obsession, in Mouvement, N°56, juillet-septembre 2010, pp. 142-145
Clara Schulmann, "Nothing rings a bell?", Brice Dellsperger, Body Double 22, in May, N°4, 06/2010, pp. 187-197
Cécilia Bezzan, Expositions, in Art Press, N°367, mai 2010, p.89
Emmanuelle Lequeux, Galeries, in Le Monde, 14.03.10, p. 22
Julia Langbein, Critics' Picks, in artforum.com, mars 2010
Elisabeth Lebovici, Des Body-Doubles de choix: Dellsperger chez Air de Paris, in le-beau-vice.blogspot.com, 23.02.2010 Nicolas Heimendinger, More Body Doubles, in paris-art.com, 02.2010
Carine Soyer, Initiales BD, in artnet.fr, 8 mars 2010
Stéphane Delorme, Brice de Palma, in Cinéma en numérique : De Brian de Palma à Brice Dellsperger, supplément festival d’Automne, in Cahiers du Cinéma, N°628, novembre 2007, p.13
Marie Darrieussecq, Body Double X, in Beaux-Arts Magazine, N°278, août 2007, p. 52-53
Le Top 10 2006, in Technikart, décembre 2006-janvier 2007, p. 118
Détournements majeurs, in Dernières Nouvelles d’Alsace, 14 décembre 2006
Charles Barachon, in Spike, N°8, sommer 2006
Marie Cozette, in Tema Celeste, N°116, Juillet-Août 2006, p.80
Charles Barachon, Art Selector, in Technikart, mai 2006, p.98
Françoise-Claire Prodhon, L'art en tête, in AD, N°57, mai 2006, p.54
Jean-Max Colard, Move your body, in Les Inrockuptibles, N°547, du 23 au 29 mai 2006, p. 76

Natacha Lesueur est photographe et plasticienne. Elle est lauréate u Prix Fondation d’entreprise Ricard elle fût résidente à la Villa Médicis en 2002-2003. Son travail se développe en réaction à la multiplication d’images-modèles véhiculées par les médias. Le corps, et les identités genrées sont ses sujets de prédilection.

Enseignante.

BAC
DNSEP

PROFESSEUR  2° catégorie

Enseignante Arts plastiques à l’Ecole d’architecture de Paris Val-de-Seine
Enseignante Photo/Vidéo à l’Ecole des beaux-arts de Gennevilliers

Workshop: Ecole des beaux-arts de Montpelier, Ecole des beaux-arts de Cergy-Pontoise,
Ecole des beaux-arts de Quimper…
Conférences: Ecole des beaux-arts de Paris, Ecole des beaux-arts de Lyon…
Jury: Ecole des beaux-arts de Paris, Ecole des beaux-arts de Cergy-Pontoise, de Toulouse...

2010 / 2013
EXPOSITIONS
Till the end, Galerie In Situ, Paris, France (Solo show)
Drink in park, CRAC de Sète, France (Solo show)
Des images comme des oiseaux, Commissariat Patrick Tosani, La Friche Belle de Mai, Marseille
Nessun oggetto è innocente, Les Pléiades FRAC Corse, Corte
Nuit Blanche 2013, Paris

PUBLICATIONS
P.Joly, «Florence Paradeis & Sylvain Rousseau», Revue 02 N°53, P.62, printemps 2010
C.Francblin, «Exposition: Crac de Sète», Artpress N°366, P.89, avril 2010
Auto Focus, l’autoportrait dans la Photographie Contemporaine, Susan Bright, Editions Thames & Hudson 2011

Après avoir pratiqué la photographie, Marie Voignier étudie à l’école des beaux-arts de Lyon. Son travail se concentre depuis sur la réalisation de films. Marie Voignier s’intéresse avant tout à des réalités nouées, à des histoires complexes où se mêlent plusieurs vérités. Son approche problématise non seulement la constitution même de la réalité et ses médiations compliquées, mais aussi la position de l'observateur, qui fait toujours déjà partie de la mise en scène. Jouant sur des glissements troubles entre documentaire et fiction, elle cadre des situations où le réel emprunte soudainement les chemins de l’artifice, que ce soit au sein de l’industrie des loisirs, des médias de masse, des sciences plus ou moins occultes ou du monde du travail. Son travail est représenté par la galerie Marcelle Alix. Elle enseigne à l’ENSAD depuis 2022.

Réalisations :
Elle a notamment réalisé Anamocot (Visions du réel 2025), Moi aussi j’aime la politique (FID, 2022), Na China (Visions du Réel 2020 ; Singapore biennial 2020), Tinselwood (Berlinale, 2017 ; Centre Pompidou, 2018 ; LAXART, 2019), Les Immobiles (Biennale de Venise, 2017).

Guillaume Aubry est né en 1982. Il vit et travaille à Paris, Fermanville (Cotentin) et Les Bordes (Berry). Il est architecte de formation, diplômé de l’Université de Tokyo (Master) et de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Paris - La Villette (DPLG).
Co-fondateur de l’agence d’architecture et de scénographie Freaks à Paris, il est parallèlement artiste-plasticien et chercheur, diplômé des Beaux-Arts de Paris (post-diplôme La Seine) et docteur en art (programme Radian).

Instagram

Après des études en Architecture, Elise Capdenat a été diplômée de l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs en Scénographie (1993). À l’occasion d’une année en résidence à la Villa Médicis à Rome (1996/1997), Elle publie le livre Circo Massimo-Sette Sale X2 en collaboration avec Anne Attali en 1998.

Depuis 1995, elle collabore avec Eric Didry à la fois pour ses créations (Boltanski / interview en 1995, Récits / Reconstitutions en 1998, Non ora, non qui en 2002/2003, L’oppoponax en 2005, la loi du marcheur avec Nicolas Bouchaud en 2010) et de nombreux cycles de formations (stage AFDAS, Ecole du TNB).

En 2004, Elle a conçu et réalisé la scénographie de la boutique Dover Street Marquet de Comme des Garçons à Londres.
De 2003 à 2010, Elle a participé aux créations et aux périodes de recherche de Sylvain Prunenec (Effroi en 2003, Redoux 2004, Lunatique 2006, About you 2007, résidence « in-situ» à Bagnolet en 2009/2010, bourse du CND)
Depuis 2009, elle collabore avec Thierry Collet sur ses spectacles « de magie politique » : influences mise en scène par Michel Cerda (en 2009) et Qui-Vive mise en scène par Eric Didry (en 20012).
Elle explore  l’Opéra avec Antoine Gindt : Ringsaga (la tétralogie de Richard Wagner) crée en 2011 puis Aliados (opéra contemporain de Sébastien Rivas) en 2013.
Elle collabore également aux nouvelles créations de Nicolas Bouchaud : Paroles d’acteurs  (Festival d’Automne, Oct 2012), le projet Lucioles (Avignon en 2013).

Né à Marseille en 1976, il vit et travaille à Paris. Plasticien, vidéaste et scénographe, Patrick Laffont-DeLojo développe son travail « au plateau » au plus près des interprètes.

Très sensible à la performance, à la danse contemporaine et au théâtre, il trouve dans la photographie, puis, plus encore, dans l’art vidéo un saisissement de l’instant qui résonne avec l’immédiateté et la vulnérabilité du corps sur scène. Il collabore depuis 2004 avec Cyril Teste au sein du collectif MxM et depuis 2017 avec Frederique Aït-Touati et Bruno Latour.

Orfèvre de formation/ Diplomé de l'Ecole Boulle. s'en suivent ses études en Etudes théâtrales à Censier pour affiner son approche de la dramaturgie. Il enseigne à l'ENSAD depuis 2007. En 2011, il organise un colloque international regroupant 50 Scénographes/ Universitaires européens durant 2 jours à la Grande Halle de la Villette sous l'égide de l'Ensad/ Ministère de la Culture. Qui donna lieu à des actes "Qu'est ce que la scénographie?" en Edition en partenariat la prestigieuse Université catholique de Louvain la Neuve. Sa pratique artistique en tant que scénographe, s'opère à 360°, totalise à ce jour, plusieurs dizaines de scénographies tant pour le Théâtre, les expositions, la danse contemporaine, le cirque, le cinéma en tant que chef décorateur (20 films). Il collabore avec de grands noms de la mise en scène, commissaires d'exposition, chorégraphes, circassiens, réalisateur/ trices ainsi qu'auprès de grand.e.s architectes. Il a une pratique personnelle du dessin, de la gravure. Passionné par la transmission, il est sollicité régulièrement pour des articles, essais pour des revues. Il est publié dans plus d'une trentaine d'ouvrages français et internationaux, universitaires et "grand public". Il est régulièrement invité pour des workshops/ conférences/ masterclass en France et à l'étranger.

En 2000, il a été promu pour son oeuvre par la Ministre de la Culture au titre de "Chevalier des Arts et des Lettres". Il reçoit de nombreux prix/ distinctions parmi lesquels, en 2003 Bourse d'aide à la création/ 2004 Prix Arturbain pour l'aménagement du site du Pont du Gard/ 2016 Prix du Design et de la Scénographie décerné par la CCI Ile de France, l'Ordre des Architectes et la Ville de Paris/ En 2023, il est l'un des invités de la Délégation Française du Ministère de la Culture à la Quadriennale de Prague avec un projet novateur éco conçu, labélisé "France 2030" soit la conception d'un théâtre mobile de création "le mobiltéat' " autonome en énergie, modulable... Il prépare en 2026, la parution de deux livres "Quelles scènes pour l'Anthropocène ?" Ouvrage de réflexions, illustré par ses soins... Et, "Il dit..." Roman documentaire, dessiné par ses soins, en co écriture avec Fabrice Melquiot (Auteur contemporain et metteur en scène)

Diplômée en scénographie à l’École des Arts Décoratifs de Paris en 1995, Annabel Vergne développe depuis ses activités dans le champ de la scénographie de spectacles : pour le théâtre (Jean Boillot, Romain Bonnin, Clyde Chabot, Patricia Allio & Eléonore Weber, Gilbert Désveaux, Marie Piemontese), pour la danse (Julika Mayer, Françoise Tartinville, Benoît Lachambre et Su-Feh Lee) et pour la scénographie d’exposition (4 jardins pour le Décameron, Le père Castor, Grafica Utile, - Médiathèque François Mitterrand - Poitiers, Futurs en transmission et Globes, le Monde à portée de main - Musée des Arts et Métiers, Mémoires industrielles - Ombrée d’Anjou).

A partir de 2000, suite à une résidence à la Cité Internationale des Arts de Paris, elle développe une pratique artistique sous forme de vidéos mettant en jeu la parole et l’espace. A travers des dispositifs visuels, lumineux ou sonores, ses propositions interrogent les conditions de perception et les variations entre voir et percevoir. Elle a présenté en mai 2017 au Centre Georges Pompidou la pièce sonore «arbres ciel colline», d’après les textes de «Constitution d’un tableau» de Rémy Zaugg. Ses projets personnels ont été présentés en France au Palais de Tokyo, à l’Institut Français d’Architecture, au FRAC - Île de France / Le Plateau, au Théâtre de la Cité Internationale, au Musée Zadkine à Paris, et en Suède au Nacka Konstall.

Annabel Vergne enseigne la scénographie à l’École des Arts Décoratifs de Paris depuis 2006 et co-dirige régulièrement le département Scénographie. Elle est à l’initiative avec Roxane Jubert de l’écriture du Manifeste pour un monde soutenable de l’EnsAD (2019). Lauréate avec Quentin Rioual de l’appel à projets Recherche, Théâtre et arts associés 2021/2022 du Ministère de la Culture pour une recherche intitulée « Scénographie et écophanie. Penser la création dans un monde fini ». Deux journées d’études en décembre 2022 au Théâtre de l’Aquarium et à l’Ensad clôtureront cette recherche.

En 2021, elle co-fonde avec Quentin Rioual et Sylvie Bétard l’Augures Lab Scénogrrraphie avec 4r, afin de développer les pratiques écoresponsables de la scénographie et leur enseignement. Ce Lab réunit plus de quatre-vingt acteur·rices du secteur culturel: scénographes, membres d’institutions culturelles, de studios ou d’agences artistiques, professionnel·les de l’économie circulaire, artistes, etc. Grâce au Programme d’Investissements d’avenir 4 du SGPI - France 2030, l’Augures Lab créera l’écothèque, une plateforme collaborative pour l’écoscénographie en mars 2024. L’Augures Lab est aujourd’hui une part importante de son activité professionnelle à travers de nombreux sujets de recherche-action menés collectivement et restitués lors de journées publiques dans différentes institutions culturelles.

Cette activité infuse son enseignement au sein de l'Ecole des Arts Décoratifs.

Ancienne élève de l'ENS (Fontenay-Saint-Cloud), Judith Abensour a suivi un cursus universitaire en littérature française et en études cinématographiques. Elle soutient une thèse sur l’image dans la poésie contemporaine. Après avoir enseigné 10 ans à l'Ecole Supérieure des Beaux-Arts TALM (site d'Angers) et elle rejoint l’École des Arts Décoratifs - PSL en 2018. Elle enseigne dans le secteur Photo/Vidéo, interrogeant la mise en espace des images au croisement de l’art et cinéma. Elle explore aussi les nouvelles écritures documentaires. Dans le cadre du collège HTC, elle propose des cours sur la littérature, la poésie contemporaine et les enjeux de la traduction.

Son travail se situe entre cinéma, écriture et théorie. Elle a dirigé la collection d’écrits cinématographiques « faux raccord » chez Post-éditions. C’est dans ce cadre qu’elle a publié Vie et mort des aoûtiens – hantise du scénario (2015). Elle écrit régulièrement des articles critiques sur le cinéma. Elle travaille actuellement à la rédaction d’un livre sur le son de la guerre en Israël et Palestine.

C’est dans ce même contexte territorial qu’elle a réalisé deux films Parades (co-réalisé avec Thomas Bauer) et Foedora. Actuellement, elle travaille à l'écriture d'un film sur les phénomènes de la Villa Carmen, premières expériences spirites qui ont eu lieu dans l’Algérie coloniale du début du 20ième siècle.

Publications :
- Réactivations du geste (direction ouvrage collectif), Le Gac Press, 2010
- Vie et Mort des aoûtiens, Post-éditions, 2015
- Parades (co-réal. Thomas Bauer), 2013

Elsa Boyer est écrivaine, théoricienne et traductrice. Elle a fait paraître huit récits aux éditions P.O.L et MF qui interrogent, chacun à leur manière, notre environnement médiatique et numérique contemporain, la façon dont il façonne nos perceptions et affects, que ce soit les images des réseaux sociaux, des jeux vidéo, les images du sport ou de la politique. Elle écrit aussi de la poésie et a publié Laminaire aux éditions Zoème (2024). Elle traduit des essais, de la fiction (Heather Lewis, Le règlement, P.O.L, 2010 ; Denis Cooper, Le fol marbre, P.O.L, 2016 ; J'ai fait un vœu, P.O.L, 2022) et, avec Camille Pageard, de la poésie (Verity Spott, Désolation, MPLH, 2021 ; CAConrad, En attendant de mourir à son tour, P.O.L, 2022). Elle a publié un essai intitulé Le conflit des perceptions (MF, 2015) sur la technologie, les jeux vidéo et la phénoménologie. Un autre essai sur Alan Turing, l'intelligence artificielle et les questions de genre dans le numérique est paru aux éditions Pérégrines (Turing, Pérégrines, 2023). Elle enseigne la théorie des médias, les humanités numériques et les questions touchant aux écritures contemporaines à l'École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris.

Mister, P.O.L, 2014
Walla Walla, P.O.L, 2019
Orbital, MF, 2021
Grip, MF, 2023
Laminaire, 2024
Le conflit des perceptions, MF, 2015
Turing, Les Pérégrines, 2023

Francesca Cozzolino est anthropologue, enseignante de sciences humaines et sociales à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs (EnsAD), PSL Research University, Paris depuis 2013. Chercheure à EnsadLab, laboratoire de recherche en art et design de l’EnsAD et membre affiliée au Laboratoire d’ethnologie et sociologie comparative (LESC-CNRS) de l’université de Paris Nanterre, elle est également associée au CEMCA (Centro de estudios mexicanos y centroamericanos) de Mexico. Depuis 2010 elle a réalisé plusieurs enquêtes dans le monde de l’art et du design et mené plusieurs missions de recherche en France et à l’étranger (Europe, Etats-Unis, Benin, Mozambique, Mexique) en se spécialisant dans l’ethnographie des pratiques artistiques et en développant ses recherches à la croisée de l’anthropologie de l’art, de la culture matérielle et des études décoloniales. Ses travaux défendent une anthropologie politique de l’art qui interroge les manières dont les acteurs d’une société, à partir des formes artistiques et des discours sur la création qu’ils produisent, génèrent une pensée politique et conçoivent leur propre avenir, particulièrement dans des contextes postcoloniaux. Elle enseigne dans le secteur design graphique, donne un cours magistral de HTC « Émancipations et dominations culturelles. Approches anthropologiques » et pilote le groupe de recherche « art, design et société » à EnsadLab.

- Page personnelle
- Sélection des publications
- Projets en cours 

Stéphane Degoutin est artiste, écrivain, réalisateur et chercheur. Il réalise une production artistique variée, comportant des films, des œuvres interactives, des installations, des performances et des livres. Ses travaux portent sur les implications sociétales des infrastructures, sur l’humanité après l'humain.
Ses œuvres enquêtent sur des situations d’ambivalence, entre guerre et danse ou entre architecture et plaisir, et sur l’obsolescence programmée de l’humain. Il soutient, en 2019, une thèse en aménagement de l'espace, urbanisme intitulée "Société-nuage".

Principaux livres : Prisonniers volontaires du rêve américain (2006), Psychanalyse de l'aéroport international (2019).
Principaux films : Cyborgs dans la brume (2010), World Brain (2015), Erewhon (2019), La maison qui vous veut du bien (2021).

Site web

Docteur en esthétique, philosophe, il intervient en 1ère année (Groupe 2), 2ème année (cours transversal du mardi : "L'inquiétude de la beauté"), en Cinéma d’animation et Scénographie.

Docteure en histoire de l’art contemporain, Lucile Encrevé est professeure d’Histoire et Théorie des Arts à l’École des Arts Décoratifs - PSL depuis octobre 2013, où elle est rattachée au collège de Théorie et au secteur Design Textile et Matière. Spécialiste de l’abstraction et du champ féministe, elle s’intéresse aux liens entre art et arts décoratifs, aux dialogues entre art et textile, entre peinture et textile, entre abstraction, textile et genres, avec un regard particulier sur les productions de créatrices. Ses recherches portent également sur la place et les expériences des femmes à l’École des Arts Décoratifs. Elle co-organise avec Francesca Cozzolino en décembre 2025 une journée d'études à l’École des Arts Décoratifs - PSL : « Ce que les féminismes font à l’histoire de l’art ».

Conférences récentes :
« Écritures abstraites et textile. Un territoire genré ? » (ENS, sept. 25);
« Comment enseigner l’histoire de l’art aux futurs artistes » (INHA, mai 24);
« S’opposer, résister, déconstruire. Le textile comme outil de subversion » (Le Bercail, Dunkerque, déc. 23).

Publications en lien avec l'histoire de l'École des Arts Décoratifs - PSL :
« La place des femmes à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs. Une autre Histoire à écrire », Faire œuvre, La formation et la professionnalisation des artistes femmes aux XIXe et XXe siècles, association AWARE, 2023 ; « Dessin et engagement à l’EnsAD : la part des femmes », revue Décor, n°3, sept. 2023 ; conception et réalisation, avec un collectif d’étudiant·es du projet « Chères toutes. La parole des femmes fait événement à l’École des Arts Décoratifs », 2021 : site internet fondé sur une collecte orale de paroles de femmes travaillant ou ayant travaillé aux Arts déco.

Consultante en Design, commissaire d'exposition et journaliste pour différents journaux internationaux, Anna Bernagozzi est depuis 2004 enseignante de théorie et histoire du Design à l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris.

Elle a toujours travaillé dans des contextes de prospective et a mis ses compétences au service de sociologues et perspectivistes tels que Mathias Horx, Bernard Cathelat et Lii Edelkoort.  Convaincue de l’importance de l’analyse précise du contexte pour  faire évoluer le métier du designer, elle favorise la mise en place de différentes méthologies transdisciplinaires permettant aux designers de mieux cerner in situ les problématiques actuelles et devenir de véritables acteurs de ce changement. Ces méthodologies peuvent s’appliquer à des domaines très disparates à l’instar de deux projets de recherche EU sur 4 ans qu’elle a dirigé et dirige actuellement à l’Ensad : le projet IC-IC -http://seamlessairtravel.eu/ic-ic/Consortium.html- (2011-2014), qui avait comme objectif d’améliorer l’experience du voyageur aérien et le projet 4Cs - https://www.4cs-conflict-conviviality.eu - (from Conflict to Conviviality through Creativity and Culture), initié depuis 2017 et dont l’objectif  général est de redéfinir et favoriser  le cadre conceptuel propre au dialogue interculturel. La méthologie du projet 4Cs tels qu’il est mené au sein de l’ENSAD repose notamment sur l’importance de la compréhension et de l’intégration des références sociales, politiques et culturelles de migrants dans la résolution de situations de conflit en appliquant des méthodologies du design.
Anna Bernagozzi a été Keynote Speaker dans de nombreuses conférences internationales. Dans le cadre de Catedra Europa à l’Universidad del Norte de Barranquilla en Colombie en mars 2017, à l’occasion du « Fair Design » à l’Académie des Beaux-Arts de Varsovie en mai 2018,  ou lors de la conférence “Fragile, Design et précarité” dans le cadre de la Biennale Reciprocity  Design en octobre 2018 à Liège.
Auteur de nombreux articles, elle a participé à l’élaboration de plusieurs ouvrages sur le design comme “ De la simplicité  de John Maeda” dans Leonardo Electronic Almanac/Olac/ Les Basiques, Paris, 2013,  « Slow design, con brio » dans “Italian design towards sustainability”, Confindustria Ceramica Italiana, Co-editeur of Laser, Esthétique/Design 1998/2008, sous la diréction de Philippe Lemoine, Laser, Paris; « Design sans frontières : le cas Bouroullec. Entretien avec Andrea Branzi » dans Design & Designers français, ed. Medifa, Paris, 2006.
Co-editeur de Hybrid Realities, ed. Archibooks, Paris, 2005.
Article « Design et archivage informatique »  in Design & Sic., n, ed. Medifa, Paris, 2004.
Commissaire d’exposition depuis 2001  avec une première exposition dans le cadre du Salon du Meuble de Cologne intitulée « Design France », Anna Bernagozzi signe en 2002  « Fundoshi Experience », exposition phare de la biennale de Design de Courtrai 2002, puis en 2005 « Freedom of creation » à la galerie Dyson à Paris, l’une des premières exposition autour de réflexions et applications du prototypage rapide en design. En 2010 elle conseille et contribue au catalogue de la première exposition « Design real » du designer Konstantin Grcic à la Serpentine Gallery de Londres et mutiplie les expositions auprès de différentes institutions et galeries lors des Designer’s Days à Paris  (Le lieu du design, Boffi, Maxalto, etc.). En 2018 elle co-signe l’exposition « Les nouveaux objets pédagogiques », portant ” sur les enjeux de l’éducation en Design dans les années à venir, lors de la Biennale internationale de Liège.

Anna Bernagozzi est convaincue que pour comprendre, façonner une nouvelle "condition humaine" et faire face à l’évolution rapide du contexte contemporain actuel, il faut concevoir, de préférence collectivement , une alternative plus éthique aux méthodologies actuelles de faire et de penser le design. Dans cette nouvelle perspective, les designers seraient les initiateurs d'une société plus flexible et leur attitude proactive permettrait de faciliter le partage d’expériences par la création d'artefacts capables d'établir une nouvelle esthétique relationnelle, plus compréhensive, généreuse.

Ancienne responsable des archives documentaires de la maison Yves Saint Laurent et collectionneuse privée, Guénolée Milleret est la fondatrice et l’administratrice de l’iconothèque https://www.imagesguenomiller.com/ un fonds patrimonial entièrement numérisé et référencé, riche de plus de 17500 documents (gravures et lithographies de mode, mobilier, vues d’intérieur et d’architecture du XVIIe siècle jusqu’aux années 1950). En parallèle – depuis 2011 – Guénolée Milleret enseigne l’histoire de la mode et du costume à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs (Paris) et à ESMOD (Rennes).

À travers ses premières publications, elle contribue notamment à la redécouverte du patrimoine iconographique constitué au fil des siècles par l’édition d’art documentaire et la presse spécialisée (mode, décor intérieur et architecture). Auteure-éditrice indépendante sous la marque éditoriale © éditions du canezou, Guénolée Milleret publie une collection d’ouvrages sur les métiers de la mode. L’ambition de ces publications est de mettre en lumière les artisans eux-mêmes en prenant appui sur un point de vue historique étayé, avant de rejoindre le présent et d'apprécier l’engagement des acteurs contemporains dans leurs différentes configurations de travail.

• L’Atelier du bottier - Collection Talents & Savoir-faire, éditions du Canezou, 2025
• L’Atelier du parurier floral et plumassier - Collection Talents & Savoir-faire, éditions du Canezou, 2025
• L’Atelier du modéliste - Collection Talents & Savoir-faire, éditions du Canezou, 2024
• L’Atelier du brodeur - Collection Talents & Savoir-faire, réédition augmentée, éditions du Canezou, 2023
• Les Cousettes du Petit Écho, pionnières de la mode circulaire, éditions du Canezou, 2023
• Histoire de la mode et de la cuisine en 6 escales, Jourdan, 2022
• Les vitrines du luxe – Une histoire culturelle du commerce haut de gamme et de ses espaces de vente, Eyrolles, 2016
• Dans les ateliers du luxe - L’Atelier du brodeur, Eyrolles, 2015
• Haute Couture – Histoire de l’industrie de la création française, Eyrolles, 2015
• Dessin d’architecture & Habitat moderne, 1850-1920, Eyrolles, 2014
• Les folles heures de la vie d'une Parisienne, Eyrolles, 2013
• Le décor intérieur en images, de l'Empire au Modernisme, Eyrolles, 2013
• La mode du XIXe siècle en images, Eyrolles, 2012
• Le Petit musée des modes - Tenues des grands jours, Falbalas, 2011
• Modes du XXe siècle, Le streetwear, Falbalas, 2011

Artiste vivant et travaillant à Paris, Sabine Mirlesse mène une carrière active dans les arts visuels, spécialisée dans la sculpture, la photographie et les installations in situ. Elle a fait ses études à Montréal et à New York, où elle a obtenu ses diplômes en littérature et religion comparative à l'Université McGill et son Master of Fine Arts à la Parsons School of Design. Elle expose dans des galeries et institutions en France et à l'étranger et a été lauréate du prix « mondes nouveaux » du ministère de la Culture en 2022.

Après avoir travaillé pendant des années avec les secteurs Art Espace et Photo/Vidéo, les cours electives de Sabine Mirlesse sur l'intégration de l'écriture dans la recherche créative et sur la déconstruction des fils narratifs dans nos pratiques artistiques sont désormais proposés à tous les secteurs. Une partie de son projet pédagogique consiste à garantir un espace dédié à l'écriture créative telle qu'elle est enseignée dans les contextes universitaires nord-américains, mais adaptée au cadre d'une école d'art et de design.

Historien et critique d’art, il intervient en Photo/vidéo, il donne plusieurs cours transversaux le jeudi « Emprise des lieux » et « Illuminations profanes ».

Annabela Tournon Zubieta est historienne d’art et critique d’art. Ses recherches, situées à l’intersection de l’histoire sociale, politique et des techniques, portent sur l’art moderne et contemporain, avec une attention particulière aux questions féministes et décoloniales. Elle a organisé plusieurs expositions autour du mouvement des Grupos au Mexique dans les années 1970 et collaboré avec la Red Conceptualismos del Sur, ainsi qu'avec le collectif Observatoire : Globalisation, art et prospective à l’Institut national d’histoire de l’art. Elle a notamment édité Grupo Mira. Una contrahistoria de los setenta en México (Puebla, Fundación Amparo, 2022). Elle prépare actuellement plusieurs projets d’édition, de traduction et d’exposition, notamment avec des artistes qui s’intéressent aux histoires connectées à l’échelle globale, aux contradictions de l’histoire coloniale, et qui contribuent à rendre visibles les récits de la modernité produits depuis les Amériques latines.
À l’École des Arts Décoratifs, elle enseigne la théorie de l’art et les études décoloniales et intervient dans le secteur « Image imprimée » et dans le cadre de la chaire « Nouveaux imaginaires du dessin ».

Justinien Tribillon est urbaniste, curateur, critique d'architecture, et éditeur avec une pratique transdisciplinaire et itinérante incluant sciences sociales, photographie, architecture, histoire, design. Parmi ses publications récentes La Zone : Une Histoire Alternative de Paris (B42, 2025), Visible upon Breakdown (Spector Books, 2024). Docteur en urbanisme de la Bartlett School of Planning, University College London, il a consacré sa thèse à la construction du Boulevard périphérique de Paris. Il contribue régulièrement à des magazines (The Architectural Review, AOC), des ouvrages collectifs, des catalogues d’exposition. En 2023-2024, il est pensionnaire à la Villa Médicis avec un projet sur la perruque ouvrière. Il poursuit cette recherche en 2025-2026 dans le cadre d’une commande du Victoria & Albert Museum. Justinien rejoint l'École des Arts Décoratifs - PSL en 2024 en tant qu'enseignant d'Histoire, Théorie et Critique, la plupart de ses cours se déroulant dans le secteur Design Architecture Milieu (anciennement Architecture d'Intérieur).

Publications :
La Zone : Une Histoire Alternative de Paris (B42, 2025) Visible upon Breakdown (Spector Books, 2024) Rudéral : Identités Liquides (Deux-cent-cinq, 2024) Migrant Journal (2016-2019)

Site web

Diplômé des beaux-arts, il est professeur de Morphologie à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs - Paris.

Après avoir occupé le poste de directeur artistique dans plusieurs agences de communication, il a ensuite été en charge de la section Design graphique chez Daylight (Apple Computer France, Crédit Agricole, Institut du monde arabe, etc.).
Graphiste indépendant depuis 1992, il a fondé avec Laurence Barjini en 2011 l’Atelier Barjini Graphic Context, agence spécialisée dans les projets d’identité et de signalétique de structures culturelles (École d’architecture de Versailles, Faculté de pharmacie de Paris, etc.).

Il est l’auteur de Le corps à nu. Manuel de morphologie (Paris, EnsAD/La Découverte, 2017)

Sculpteur, photographe et créateur de parfum , le travail de Morgan Courtois défend un retour à un esthétisme inspiré par le craft, le camp et le baroque. On peut soutenir que l’univers est fondamentalement créatif et qu’il produit un «débordement» de phénomènes sensoriels inutiles mais esthétiquement plaisants. Les animaux et les plantes communiquent au moyen de couleurs, de sons et d’odeurs qui semblent n’avoir d’autre but que de séduire, d’attirer et parfois de repousser. Ces manifestations de désir et d’excès constituent le fondement du travail de Courtois qui rend palpable les forces esthétiques et affectives qui traversent, voire dépassent, le monde matériel.

Morgan Courtois est né à Abbeville (France) en 1988, il vit et travaille à Paris. Il reçoit le prix Meurice en 2017 et intègre la Rijksakademie (Amsterdam) en 2018. Son travail a été récemment présenté au Musée d'art Moderne de la ville de Paris, à la Fondation Pernod Ricard et au Musée Zadkine à Paris,à l’Exposition Universelle de Dubaï, à Townhouse au Caire, Egypte ou encore à SALTS, Bâle, Suisse. Il est représenté par la galerie Balice Hertling.

https://www.interviewmagazine.com/art/bodies-and-blooms-fill-morgan-courtois-theater-of-decay

Expositions en France (Palais de Tokyo, MAMVP, centre Pompidou, etc) et à l'étranger (Moca de Taïpei, Mac de Melbourne, ISCP de New York, etc).

Représenté par la galerie Loevenbruck, Paris et Elaine Levy, Bruxelles.

Jean-François Fourmond est photographe auteur, il est diplômé de l’École Nationale des Arts Décoratifs et professeur des écoles nationales supérieures d’art.

Il commence la photographie professionnelle fin des années 80 dans la publicité et la mode. Depuis une vingtaine d’années, il travaille sur des sujets sociétaux. Dans ses projets documentaires, la place de l’humain est centrale. Il parle de ce qu’on ne voit pas, des oubliés, de la solitude et de la disparition. Il a animé un Workshop documentaire à Bamako au Conservatoire des Arts et Métiers et Multimédia de 2006 à 2009. Son travail sur les maisons de retraites médicalisées et la vie du quatrième âge a été exposé au Palais du Luxembourg à Paris en 2009. Photographe de l’agence de presse de photographies d’urbanisme et d’architecture « Urba images »depuis 1994, il en prend sa direction entre 2012 et 2014. Aujourd’hui il continue d’exposer ses travaux.

Depuis trois ans, ses recherches se sont orientées vers le renouvellement urbain et les problématiques de transformation du territoire liés au Grand Paris (mutation et mémoire). La restitution de ce travail a commencé en décembre 2020 à Bagneux en Ile de France par une exposition dans la Cité des Musiciens.

Il aime associer dans son travail photographique, son et vidéo et collabore pour la réalisation de ses projets personnels ou de ses commandes, avec des artistes ou auteurs de divers horizons. 

Le parcours de Mathieu Gaudric débute à l'Ecole des Arts Décoratifs où il fait la rencontre décisive de peintres et de sculpteurs dont il suit l'enseignement. Il découvre auprès d'eux le courant de la sculpture indépendante des XXème et XXIème siècles auquel il se rattache en intégrant, dès son ouverture en 2004, la Galerie Malaquais à Paris et en participant à la série d'expositions qu'elle organise autour de Rodin et Germaine Richier.Il poursuit ses recherches en travaillant dans un atelier à Paris où il mène un travail de peintre, en parallèle de son activité de sculpteur. En 2002, l'Académie des Beaux-Arts récompense son travail de dessin, puis son travail de portrait dès l'année suivante, avant de récompenser son travail de sculpteur en 2007 par un prix remis par Pierre Cardin. En 2003, il est admis comme pensionnaire à la Villa Médicis - Académie de France, à Rome. Vouant un réel engagement pour la transmission, il est nommé professeur de dessin et sculpture à l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs en 2009. Mathieu Gaudric expose régulièrement son travail de peinture et de sculpture. En mai 2025, la Galerie Thibault Hölscher, rue de l’Université à Paris, lui consacre une exposition de ses peintures. La même année, il réalise une sculpture monumentale pour la Ville d’Orléans en hommage à l’Appel du 18 juin qui sera Inaugurée le 8 mai 2025 en présence du Président du Sénat. Les études et maquettes préparatoires ont bénéficié quant à elle d’une exposition au Musée des Beaux-Arts de la Ville d’Orléans en septembre 2024.

Expositions de sculpture - Les architectes du sensible, le portrait sculpté, dessins de sculpteurs - à la Galerie Malaquais à Paris. Expositions de peinture - Le peintre de l'intime et une fleur pour langage - au Centre d'art Art et Liberté de Charenton en 2019 et 2024. Exposition de sculpture - L'exposition 102 - à la Halle des Blancs Manteaux, à Paris en 2022. Exposition de sculpture - études et maquettes préparatoires de la sculpture monumentale de l'Appel - au Musée des Beaux-Arts de la Ville d’Orléans en septembre 2024. Exposition de peintures à la Galerie Thibault Hölscher en mai 2025.

Compositeur de musique électronique, Bertrand Gauguet multiplie les collaborations avec la danse et le cinéma en composant des musiques originales et en réalisant également des décors sonores pour le spectacle vivant ou des expositions. Saxophoniste improvisateur et interprète, il multiplie les collaborations en étant programmé dans de nombreux festivals de musiques nouvelles et expérimentales en France et à l’étranger. Ses intérêts explorent la relation entre musique et non-musique, le son comme support de méditation, les enjeux cognitifs de l'écoute, la phénoménologie du son, l’acoustique et plus largement les différents rapports que son et musique entretiennent avec l’espace physique, social et politique. Il a été pensionnaire de la villa Kujoyama à Kyôto en 2011. Il a enseigné l’histoire de l’art contemporain de 2006 à 2016 et les pratiques sonores de 2007 à 2016 à la Haute Ecole des Arts du Rhin - site de Mulhouse, où il a co-fondé l’atelier et le pôle de recherche Sonic : programmation de concerts, commissariat d’expositions, conférences et auteur pour différentes revues et ouvrages collectifs. Il enseigne les pratiques de création sonore depuis 2017 à l’École des Arts Décoratifs - PSL.

Site web

Rémi Hamoir est diplômé de l’École des Arts Décoratifs – PSL, secteur Image imprimée, en 1999. Il enseigne le dessin pendant deux ans à l’École des beaux-arts de Rueil-Malmaison, avant de se consacrer pleinement à la peinture.

Entre 2002 et 2004, il séjourne en Espagne, en lien avec la Casa de Velázquez, où il réside sans être boursier. À son retour en France, il commence à exposer régulièrement dans différentes galeries, notamment à l’occasion de deux expositions personnelles à la galerie agnès b., rue Dieu, qui donneront lieu à une édition de t-shirts réalisés à partir de son travail.

Il embarque ensuite à bord de la goélette Tara pour un voyage d’exploration scientifique en Méditerranée, au cours duquel il réalise une série d’aquarelles.
À la suite de cette mission, il participe à plusieurs expositions en collaboration avec Tara Océan.

En parallèle de sa pratique artistique, Rémi Hamoir développe une activité pédagogique : il devient enseignant en dessin à l’École de Condé en 2010, puis à l’École des Arts Décoratifs – PSL en 2015, où il initie des partenariats entre l’école et Tara Océan.

Il expose à Londres en 2016 à la galerie B. Chauchet.

Née à Paris en 1972, Iris Levasseur vit et travaille à Arcueil. Son univers pictural est un mélange étrange de pesanteur et de légèreté, de réalité humaine et de rêves. En peintre chorégraphe, elle questionne les corps et leur évolution dans l'espace, à travers des scènes monumentales aux interprétations ouvertes qui imposent leur présence physique au spectateur. Les compositions dans lesquelles elle met en jeu ses figures se réfèrent à des situations d'échanges violents, de dépositions dramatiques et d'abandons insondables du corps. Son regard sur le monde qui l’entoure est primordial et elle tire son inspiration de l’observation quasi quotidienne de zones péri-urbaines, d’où l’importance de certains détails comme les vêtements de ses personnages. Les textures employées ont pour effet de suggérer une instabilité, parfois même un malaise. Iris Levasseur est représentée à Paris par la galerie Odile Ouizeman depuis 2007 et par la galerie Iragui a Moscou. Elle a bénéficié de nombreuses expositions dans des Centres d’art, Frac et Musées. Ses oeuvres figurent dans d’importantes collections privées. Elle a participé aux expositions abordant le renouveau de la peinture figurative en France : Génération 70, Collection 3, d'Après la ruine, La belle peinture est derrière nous.

Enseignement/conférences
Enseignante à l’Ecole nationale supérieure des Arts Décoratifs depuis 2005,
2002-2011 : enseignement de l’architecture intérieure à l’Académie Charpentier (Paris 6ème).
Pour ConstruirAcier (ex OTUA), depuis 2007 : création du programme Culture acier (enseignement du matériau acier dans les écoles d’architecture intérieure et de design). Constitution de la matériauthèque acier, partenariats, programme du concours annuel. Cycle de conférences Acier, portrait d’un matériau ; Acier et architecture intérieure.

Diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (1989), section architecture intérieure

Architecture intérieure, maîtrise d’œuvre.
La Superstructure – 6 rue Saulnier 75006 Paris
Tél. : 01 53 34 09 31 - Mobile 06 77 15 88 79
pascale.lion@lasuperstructure.com

Exercice indépendant depuis 1993. Rénovation et aménagement de maisons et appartements particuliers. Locaux d’entreprises et programmes spécifiques (showroom, agence de style).

Design
Création de mobiliers et objets en maille métallique. Depuis 2008 : les bijoux oooo, une collection
diffusée en France et à l’international. Gérante de la SARL PLP créée en 2001.

Créations pour des éditeurs : ENO studio, Agnès b, La collection pour FOIN cottes de mailles, Verre et maille, pour les verreries Dumas.

Direction artistique.
Pour Honeywell Safety Products, département Foin cotte de mailles (architecture et la décoration),

depuis 2006 : développement de produits et de matières, réalisation de stands, conseil. Pilotage de l’identité visuelle, du site internet, de la documentation technique et des outils de vente.

Pour MC&I : conseil, image, création de produits (systèmes de cloisonnement et rideaux en mailles
spiralées).